+SOMA: SUA DOSE DIÁRIA DE CULTURA INDEPENDENTE! - +REVIEWS

Human Bell - Human Bell

2008-07-07T14:30:00Z

A simplicidade e a pureza, a partir de uma percepção viva na sua efemeridade, parece que sempre reverberam no ambiente musical por onde Dave Heumann e Nathan Bell adentram Human Bell . Human Bell . Thrill Jockey Records . 2008
Por Alexandre Charro

A simplicidade e a pureza, a partir de uma percepção viva na sua efemeridade, parece que sempre reverberam no ambiente musical por onde Dave Heumann e Nathan Bell adentram. Dave já tocou com Bonnie “Prince” Billy, Cass McCombs, além de ser cantor e compositor chave do Arbouretum. Nathan tocou baixo no Lungfish de 1996 a 2003, e atualmente também se dedica a um trabalho solo psicodélico e experimental que compõe com um banjo. Human Bell é o duo desses dois caras. Tocando juntos desde 1999, só lançaram seu primeiro trabalho em 2006, um EP de seis músicas em CD-R. E agora em 2008 lançam o álbum, que leva o mesmo nome do duo, com participações de diversos músicos amigos, como Ryan Rapsis (Euphone), Peter Townsend (Speed to Roam, Bonnie Prince Billy), Michael Turner (Warmer Milks, Speed to Roam), entre outros.

Human Bell é instrumental, é suficiente. São dois músicos com características de criação e execução diferentes. Dave é responsável pela vivacidade das melodias, como observa-se em seu trabalho no Arbouretum, e Nathan pela progressão dos temas, propensos às repetições hipnóticas e profundas. Ao mesmo tempo em que o disco tem momentos rítmicos empolgantes, percebemos que eles compartilham em suas músicas diversas sensações e sentimentos sem buscar a positividade da certeza, sem a empolgação da ansiedade, sem promover a superioridade; um pensamento de composição livre, apenas centrando na expressão sensorial da uma música que abre precedentes para a reflexão motivada pelos sons.

Ambição no Deserto, de Albert Cossery

2008-06-30T16:51:00Z

O essencial para Cossery é ponderar sobre os benefícios de uma conduta devotada aos prazeres da vida, convidando-nos ao despojamento e ao riso como forma de subverter os valores de uma sociedade

Ambição no Deserto . Albert Cossery . Conrad Editora . 2008

O egípcio Albert Cossery é o famoso romancista da preguiça, encarando esta como atividade filosófica. Talvez por isso, em mais de 70 anos de atividade literária, tenha publicado apenas oito livros, ao ritmo de uma frase por dia, como gosta de ressaltar. O livro publicado recentemente no Brasil (a terceira obra de Cossery publicada pela Conrad), uma obra de meados dos anos 1980, é seu único romance a não retratar o Egito um tanto imaginário do autor, já que Cossery vive em um mesmo quarto de hotel em Paris desde 1945.

A trama deste romance é simples: em Dofa, emirado fictício, uma série de atentados a bomba desperta reações variadas na população. Para Ben Kadem, o primeiro-ministro, as explosões significam uma oportunidade de conseguir chamar a atenção do mundo para seu país, ignorado por não ter uma gota de petróleo em seu subsolo. Samantar, um bon vivant típico dos livros de Cossery, considera os ataques uma aberração, em um lugar assolado pela miséria, e passa a investigá-los, mudando seu dia-a-dia marcado por prazeres carnais e por jogar conversa fora. Capítulo vai, capítulo vem, os diálogos morosos são sempre marcados por baforadas em cigarros de haxixe. O estilo de Cossery é acessível e despojado, marcado por frases belas e sucintas.

Não há vírgula ou frase sobressalente, apenas o essencial. E o essencial para Cossery é ponderar sobre os benefícios de uma conduta devotada aos prazeres da vida, convidando-nos ao despojamento e ao riso como forma de subverter os valores de uma sociedade que pede somente o sucesso, a vitória, a opulência. Nada disso teria interesse se Cossery não fosse um contador de histórias tão engenhoso e vigoroso, criando histórias que beiram o ridículo, de tão tolas em sua superfície.

Por Arthur Dantas

EM TEMPO:
O escritor egípcio Albert Cossery morreu no último dia 22 de junho, segundo a agência de notícias France Press. O corpo de Cossery, que tinha 94 anos, foi encontrado no seu quarto no hotel Lousiana, em Paris. Vivendo há quase 60 anos no mesmo hotel, Cossery notabilizou-se pelos seus romances escritos em francês e ambientados no Oriente Médio (especialmente no Egito). Num estilo muito particular, misturando sarcasmo e sabedoria oriental, Cossery escreveu oito romances, sempre na cadência de “uma linha por dia”, como gostava de declarar.

Saiba mais aqui.

Rebelde Entre os Rebeldes, de Arnaldo Baptista

2008-06-24T12:57:00Z

Ficção de alguém incompreendido por seus pares, temeroso da agressividade humana.

Rebelde Entre os Rebeldes . Arnaldo Baptista . Rocco . 2008

A estréia na literatura de Arnaldo Baptista, o eterno líder do trio Mutantes é, definitivamente, o termômetro para sua carreira artística. Nem a genialidade de sua música nos primeiros discos dos Mutantes nem a obsolescência do retorno do grupo. Nem a explosão de seu primeiro álbum-solo, Lóki? , nem a debilidade de seu último registro solo, Let It Bed. Nesta ficção científica, o que o autor faz, em uma tentativa um tanto naif, é contar uma história através de um gênero literário muito caro ao desbunde dos anos 60, que fala muito menos dos personagens da trama e muito mais sobre os interesses temáticos e a filosofia psui generis do autor.

A história, desenvolvida com cortes abruptos, comporta um enredo arquetípico do gênero (viagens interplanetárias, teses científicas fantasiosas, naves espaciais etc), para narrar a aventura de um Adão e Eva versão Era de Aquário que tentam garantir a continuidade da raça humana. É a ficção de alguém que não entende e não é entendido por seus pares, temeroso da agressividade humana (um tema caro ao livro) e ciente dos demandos do poder. Sua intervenção diante de tal realidade é através de uma arrumação artística - neste caso, uma ficção científica. O grande problema, talvez, é que a realidade tal qual entendida pelo autor, parece não ter superado os anos 1970.

De toda forma, a história tem seu charme e uma aura romântica quase inexistentes em nossa época. Se falta os dotes e fôlego de um Thomas Pynchon, a ironia feroz de um Kurt Vonnegut ou o desvario e preciosismo textual de um José Agrippino de Paula, sobra uma pureza e desbragamento caros à Arnaldo Baptista que conferem força peculiar ao livro. É dessa força de propósitos que reside a qualidade (ou defeito, cabe ao leitor decidir) do livro.

Por Arthur Dantas

O Epiléptico (dois álbuns), de David B.

2008-05-19T18:31:00Z

A epilepsia como metáfora dos temores de uma família moderna em O Epiléptico, de David B.

É tão comum nos dirigirmos a outros gêneros artísticos para atribuir valor a uma história em quadrinhos que o mais chocante nos dois álbuns nacionais de O Epiléptico, de David B (Conrad Editora) é justamente sua singularidade em constituir-se como grande obra e ser eminentemente uma HQ sem maiores requisitos – a história se basta em um dialogo lancinante entre texto e desenho, quadro a quadro, sem maiores ornamentos.

A história autobiográfica do francês David B., obviamente o insere numa tradição riquíssima dentro das HQs onde podemos elencar autores como Will Eisner, Joe Sacco, Alison Bechdel, Daniel Clowes dentre muitos outros grandes artistas e pode-se resumir na busca de uma cura para a epilepsia do irmão mais velho do autor, Jean-Christophe. A vida dele era normal até a chegada do “haut mal”, como a epilepsia é conhecida coloquialmente na França. A fragilidade, sobretudo emocional de seu irmão, faz com que a doença tenha um efeito devastador na vida de todos na família. Enquanto a saúde do irmão mais velho começa a deteriorar, os pais arrastam toda a família Europa afora, por uma década, em busca de uma cura para a doença. Decepcionados com as saídas da medicina normal, decidem procurar saídas alternativas, das dietas macrobióticas aos templos Rosacruz. Seria uma experiência dolorosa para os leitores, se o autor não soubesse mostrar o lado tragicômico disso tudo em um tom prosaico, mas que não pode ser tido como banal ou estéril. Afinal, o que retrata é o despedaçar de uma família. Há uma quantidade quase infinita de metáforas visuais próprias de delírio criativo de crianças para retratar sentimentos adultos difíceis de lidar, seja lá qual a linguagem adotada. Aliás, é na narrativa visual que ele separa o joio do trigo, ou como gostaria alguns, mostra onde reside a linha tênue que separa os homens das crianças.

David B não facilita a vida dos leitores. Ele não abre mal de sequer um recurso que busque a emoção fácil ou a catarse. De certa forma, o tom do álbum, ditado pelo desfecho da crise (de epilepsia? De valores? Da trama? Da família? Dos temores do autor?) não encontra fim – mesmo apos a última página. A obra é extremamente cerebral, mas por trabalhar tão bem com expedientes intrinsecamente quadrinísticos, agrada a qualquer um em busca de uma boa história, independente de gênero. O jogo visual, onde o autor exterioriza seus anseios e temores através de batalhas entre povos bárbaros (trabalhando eminentemente com a epicidade atribuída comumente ao maior filão das HQs e com o estéreotipo de luta do bem contra o mal) é o termômetro perfeito para expor ao leitor seus inimigos íntimos, suas fraquezas. E vale ressaltar que aqui fraqueza é sinônimo de franqueza. É especialmente belo o momento que o autor consegue racionalizar o por quê de tantas lutas épicas em seus desenhos infantis e, de certa forma, definir a relação mesquinha e complicada entre ele e seu irmão. Arriscaria dizer que é um dos maiores momentos de todo o quadrinho ocidental do século XXI, ainda que soe estúpido e arrogante. Num jogo lancinante entre sonho e realidade, o quadrinista francês criou um verdadeiro romance de formação, que não deve nada a um Maus de Art Spielgeman, por exemplo, tido como ícone máximo de HQ autoral e adulta.

Um dos pontos altos do trabalho em O Epiléptico são as metáforas visuais. A própria epilepsia, por exemplo, é retratada, inicialmente, como uma espécie de dragão chinês com o corpo infinito. Por fim, o monstro já é um aspecto do próprio irmão do autor. O peso de apenas este aspecto dos dois álbuns que compões essa história particular tão difícil, é sintomático do que o leitor pode esperar desse trabalho.

Preacher, de Garth Ennis e Steve Dillon

2008-04-30T08:31:00Z

Álbum sintetiza universo do personagem Jesse Custer e de seu criador, Garth Ennis.

Preacher - Guerra ao Sol, de Garth Ennis e Steve Dillon . Pixel Media . 2008
Por Arthur Dantas

O Todo-Poderoso foi embora do céu e agora o Reverendo Jesse Custer — com a ajuda de sua namorada, Tulipa, e de seu melhor amigo, o vampiro irlandês Cassidy — quer descobrir por quê. Mas o Senhor é um sujeito difícil de encontrar. E o reverendo também não é qualquer um: uma entidade chamada Gênesis encarnou em Jesse Custer (em um incidente onde morrerarm cerca de 300 pessoas que ouviam um sermão do reverendo), e desde então, o reverendo ganhou o “dom da palavra”, o que significa dizer que ele pode fazer com que qualquer pessoa o obedeça.

Assim, resume-se a trama básica da série Preacher, publicada pelo selo de quadrinhos adultos da DC Comics.

Dá pra perceber que não é qualquer trama e, a partir desse enredo sui generis, desenvolvem-se situações de humor negro absurdas, onde o escritor Garth Ennis destila comentários ácidos sobre a sociedade ocidental contemporânea, não sobrando pedra sobre pedra quando o assunto é imprensa, militares, políticos e religiões, sobretudo. Assuntos diluídos em uma narrativa muito bem amarrada e cheia de subtramas interessantíssimas, irmanadas no mais profundo humor politicamente incorreto.

Na verdade, Garth Ennis é apenas uma das pontas de um imenso iceberg da indústria dos quadrinhos adultos seriados que tomou conta dos EUA na década de 1990, redefiniu o cinema de entretenimento com alguma massa cinzenta, influenciou parte da literatura contemporânea e está intimamente ligada ao sucesso de séries de TV sci-fi e de humor mais pesado; de Lost a Heroes, de Californication à 4400, todas são devedoras desses quadrinhos e muitas vezes contam com profissionais das HQs como roteiristas.

A série tem início, meio e fim. A história de Guerra Ao Sol, ilustrada pelo excelente Steve Dillon, se situa bem no meio da série. Mas este álbum de quase duzentas páginas pode ser lido sem o conhecimento do que aconteceu antes, muito em função do belo trabalho editorial da versão brasileira, com resumos e textos explicativos acompanhando o álbum. Neste álbum, a história é mais ou menos a seguinte: a busca por Deus [que desencanou de governar o Céu e tá vagando na Terra] empreendida por Custer o levará ao deserto, buscando ajuda na sua busca através do uso de peyote, e o que espera ele é algo muito menos espiritual: um regimento inteiro de tanques do exército americano, comandado pelo recém-promovido Pai Supremo do Graal [uma seita conspiracionista religiosa], Herr Starr. Determinado a capturar o poder de Gênesis para si mesmo, Starr está disposto a usar todo o arsenal militar americano para derrubar Jesse Custer — e nenhum dos dois lados irá sair desse confronto sem sofrer perdas irreparáveis.

E pode apostar: depois de ler essa história, engraçada se não fosse trágica, você vai querer conhecer mais um pouco da saga um tanto niilista de Custer e seus amigos em Preacher. É como eu costumo dizer: é o tipo de HQ que qualquer pessoa que goste dessa séries de TV paga poderia acompanhar, já que são tão boas quanto.

Naná Vasconcellos e Luiz Melodia na Virada Cultural.

2008-04-28T18:37:00Z

A música negra brasileira esteve bem representada na programação da Virada Cultural.

Por Arthur Dantas

A +Soma acompanhou as apresentações de Luiz Melodia, tocando as canções de seu clássico álbum Pérola Negra, e Naná Vasconcellos, que iria inicialmente se apresentar ao lado de Egberto Gismonti (que não compareceu em função de problemas de saúde), no Teatro Municipal, dia 26 de Abril, dentro da programação da Virada Cultural, programação cultural com duração de 24 horas promovida anualmente pela prefeitura de São Paulo.

Um príncipe lírico pós-tropicalista “desarruma o samba”: Luiz Melodia

Luiz Melodia subiu ao palco, acompanhado de um quarteto, e apresentou as dez canções de seu trabalho mais famoso na seqüência, com poucas e precisas mudanças nas composições. Abundantemente Morte teve uma versão um pouco mais longa, assim como seus maiores sucessos deste disco, Magrelinha e a faixa-título. Já Forró de Janeiro ganhou levíssimos contornos reggae.

O teatro completamente abarrotado, abraçou o artista de imediato e propiciou o clima mais do que especial para que Luiz Melodia apresentasse seu disco clássico. Por sua vez, o musico, vestido com uma camiseta colorida e sandálias, retribuiu todo esse carinho com uma apresentação enxuta e centrada, com alguns momentos de maior intensidade. “Estou me sentindo começando minha carreira (...) dependo de vocês para todo esse sucesso”, falou em uma das poucas intervenções entre as canções.

Melodia construiu uma sólida carreira, muito devedora de uma certa tradição advinda do tropicalismo, aliada ao lirismo de suas letras, contando pequenos contos de histórias de amor ao avesso, marcadas pela negação. Versos como “Ai de mim, ai de nós dois” ou “se alguém quer me matar de amor / que seja no Estácio”, são exemplos dessa lírica tão particular.

Além das dez canções do álbum, emendou um bis com mais três canções retiradas de seus quatro primeiro álbuns, em um show de pouco mais de uma hora.

O Batuque Mágico de Naná Vasconcellos

“O Brasil, de uma certa forma, o Brasil não conhece”

Essa frase de Naná Vasconcellos, dita logo após a primeira canção do show, revela muito do por quê voltar sua atenção aos ritmos amazônicos, sobretudo das tribos indígenas. Foi esse show que Naná realizou, contrariando a programação, que previa a apresentação, na íntegra, do álbum A Dança das Cabeças, álbum de 1977 concebido ao lado de Egberto Gismonti. Obviamente, a maioria esmagadora do público esperava por Egberto, mas não era possível ver ninguém reclamando da performance solo de Naná.

O percussionista, tido com um dos mais importantes vivos no planeta, entrou no palco tocando berimbau e, ao fim de quase dez minutos empunhando o instrumento, já havia desenrolado um rol de possibilidades rítmico-percussivas para o instrumento que conquistaram o público.

O show, baseado em um primeiro momento na manipulação de uma série de instrumentos percussivos (gongos, bareimbau, atabaque etc) aliados à manipulação de um pedal de delay, teve sua tônica na tradição musical dos índios da região amazônica. Mas não faltaram experiências calcadas no cancioneiro nordestino e em sons da natureza.

O controle absoluto no manuseio de seus instrumentos, na riqueza de ritmos e tempos alinhavados de forma natural e nem por isso simplória de Naná, juntamente com a maestria em encaixar sua voz sobretudo como contraponto percussivo, foi o fio condutor para suas breves narrativas calcadas em rimas amplamente extraídas do cancioneiro popular.

Momento de extrema beleza e catarse coletiva, foi ao construir uma orquestra de vozes, dividindo o teatro em grupos, onde simulava os sons de um imenso rio amazônico. A experiência, foi ao mínimo, arrebatadora.

Para coroar uma apresentação que é quase uma experiência divinatória (e parece ser essa mesmo a intenção do percussionista), realizou (novamente com a participação do público) uma espécie de mantra jazzístico de seus tempos no grupo CODONA. Inesquecível.

Veja abaixo, um trecho da apresentação de Naná Vasconcellos dentro da Virada Cultural.

Skatalites no Clube Inferno, 08/04, em São Paulo

2008-04-15T02:31:00Z

Carnaval caribenho na visão dos grandes arquitetos da música moderna jamaicana

Por Arthur Dantas

Se já não bastasse o impacto antecipado causado pela ansiedade de ver o show de um dos maiores grupos de música jamaicana da história, tinha ainda o peso de, além de três membros da sua primeira fase (Lloyd Knibbs - bateria, Lester Sterling - sax alto e Doreen Schaffer - vocal), havia ex- membros do Steel Pulse (Kevin Batchelor - trompete), do Mystical Revelation of Rastafari (Cedric “IM” Brooks - sax tenor), do Wailers (Vin Gordon – trombone) e dos Abyssinians (Val Douglas – baixo). Resumindo, um time de ótimos músicos, que mantém acesa a chama da que era chamada de “melhor banda de gravação do Studio One” – o lendário estúdio jamaicano.

O show é uma amostra perfeita do ska tradicional: batidas proto-reggae, ataques massivos de naipe de metal, espaço para solos jazzísticos dos mesmos, alguns refrões pegajosos para serem entoados juntos, a bateria sincopada... O que mais seria necessário para fazer uma festa e botar cerca de 600 pessoas para dançar? Uma boa imagem para mim, foi o fato de ver uma meia dúzia de carecas dançando e sorrindo, sem querer demonstrar a estupidez de sua violência idiota aos incautos. Pois é: têm coisas que realmente só um Skatalites faz pela gente!

O grupo esbanja simpatia e é impossível não ficar pasmo com a vitalidade de um Lloyd Knibbs, que do alto de seus 77 anos, conduz a bateria belamente do início ao fim. E o repertório ajuda e muito: Adorable you, Freedom Sound, Latin Goes Ska, Guns Of Navarone e “Rivers Of Babylon”, por exemplo. Há ainda os momentos aonde sobressaem a participação da vocalista Doreen Schaffer, dona de um timbre de voz límpido e suave, canalizando todas as atenções e desempenhando belamente o papel de diva da noite. Impossível não se emocionar com a interpretação dela para Sugar Sugar, uma das músicas de amor prediletas do falecido Joe Strummer.

Ao fim da noite, fica fácil descobrir porque, além de Joe strummer, tinham como fãs Bob Marley e Peter Tosh, por exemplo. Histórico!

Bad Brains na Easy, 09/04, em São Paulo

2008-04-10T19:05:00Z

Rodas de pogo, stage dives ensandecidos e cantoria comendo solto. O que mais esperar de um show de hardcore?

Por Arthur Dantas

Tensão e expectativa. Era hora de ver a mais importante e influente banda do hardcore americano finalmente em ação no Brasil. Como seria o grupo sem a presença do carismático, mas já um tanto “cansado”, vocalista H.R? Vale lembrar que, ao contrário do divulgado, o grupo contou com a presença de seu baterista original. Vá lá: um ¾ de Bad Brains já é melhor do que qualquer banda hardcore que você veja por aí.

Em menos de 10 minutos, a redenção: com a presença do carismático vocalista Israel Joseph, que se não tem um vocal tão potente e característico quanto o do H.R dos anos 80, tem a juventude e a gana necessária para lidar com o público e toda sua ansiedade, o grupo jogou de cara a poderosa Attitude, do cultuado álbum Rock For Light e na sequência, uma coladinha na outra, Sailin On e Regulator, do disco Black Dots. Catarse coletiva. O som, inicialmente um pouco confuso, não desanimou ninguém. Rodas de pogo, stage dives ensandecidos e cantoria comendo solto. O que mais esperar de um show de hardcore? Quem sabe reggae, não?

O quarteto não deixou por menos. A guitarra de Dr. Know é única, isso todos sabemos. Se passado de guitarrista de fusion jazz lhe dá uma série de recursos imprescíndíveis para a sonoridade do grupo. Ver ele elencando uma infinidade de riffs rápidos e cortantes, e por vezes pesados e precisos, como o que há de melhor no trash metal assusta e comove. O baixo e a bateria ganham destaque nas faixas reggae, como The Youth Are Getting Restless e a fantástica e emblematica I And I Survive, que encerra toda a filosofia positiva e rasta do grupo e não deixa nada a desejar a qualquer música do melhor reggae jamaicano já feito.

Curioso era que, como mais da metade do público era “maduro”, o pogo foi acintuoso mas, se é que isso é possível, respeitoso. Da parte de cima onde me encontrava, não vi nenhum sinal de briga. Aquele excesso tão freqüente juvenil, que muitas vezes desanda em violência pura e gratuita em alguns shows, encontrou um freio silencioso na conduta da maioria do público.

O grupo foi elencando clássicos um atrás do outro: Pay To Cum, Banned in D.C, Right Brigade e por aí vai. Tocaram quase nada de seus álbuns menores e do último álbum Rebuild A Nation. E o vocalista, um grande entertainer de resto, arriscou várias palavras em português e participou da festa como se alguém do público fosse. Nada mais coerente.

Fechou uma semana que começou com o inesquecível show dos Skatalites e reafirmou o papel crucial dos negros na musica pop contemporânea. Se Skatalites inventou toda uma gama de ritmos jamaicanos, os Bad Brains reinventaram o rock rápido e violento alem de expandir e redimensionar a mistura de punk rock e reggae iniciada pelos ingleses ainda na década de 1970.

A única palavra possível para descrever o show é inesquecível! Parece que aquele espaço, chamado Broadaway antes e hoje easy, está fadado a nos dar sempre grandes coessentações, como a do Fugazi em 1997 ou o Superchunk em 1998. O que não faltará a quem esteve presente é motivos para levar essa memória em algum canto confortável do coração.

Abaixo, trecho do início da apresentação do grupo em São Paulo e algumas palavras do guitarrista Dr. Know. Ainda dá para acompanhar o grupo no Rio de Janeiro e Recife.

Bon Iver - For Emma, Forever Ago

2008-04-07T18:40:00Z

A música evoca o lado acústico de Nick Cave ou Neil Young, e Justin canta num falsete estranho, que algumas vezes é sobreposto, e junto com a adição sutil de bateria e alguns metais Bon Iver . For Emma, Forever Ago . Jagjaguwar . 2008

Por Rodrigo Brasil

O codinome Bon Iver escolhido pelo cantor e compositor Justin Vernom vem do francês Bon Hiver e significa “bom inverno”, caindo como uma luva para este até então projeto.

A antiga banda de Justin, DeYarmond Edison, mudou-se de Wisconsin para a Carolina do Norte, e a medida que a banda amadureceu na nova localidade, os interesses musicais dos integrantes divergiram, culminando com o fim do grupo. Mesmo fim levou o relacionamento de Justin e sua namorada. Confuso, retornou para Wisconsin e isolou-se em uma cabana de caça remota que era usada por seu pai em pleno inverno. O plano inicial era apenas hibernar, mas a música acabou aparecendo.

A maioria das faixas deste disco foram feitas durante os três meses que o músico passou isolado na cabana, e tanto o inverno rigoroso, como o exorcismo emocional que seguiu, acabaram dando forma a estas canções.

A música evoca o lado acústico de Nick Cave ou Neil Young, e Justin canta num falsete estranho, que algumas vezes é sobreposto, e junto com a adição sutil de bateria e alguns metais, contribuíram para um disco repleto de
nuances e climas. E talvez aí resida a grande força de Vernon: na habilidade de criar um disco solitário que em nenhum momento se torna chato ou cansativo.

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Shellac em São Paulo, na Clash Club

2008-03-30T16:50:00Z

Shellac é papo reto. Se você não aguenta isso, pede pra sair. Doloroso, metódico e banal – a simplicidade a serviço de uma música intensa e atual. Por Arthur Dantas

A passagem do trio de rock minimalista Shellac foi marcante, para não dizer histórica. Em uma certa perspectiva histórica, esse tipo de comportamento e música que encerra o grupo comandado por Steve Albini, está francamento em decadência – ou desuso, para usar termo mais caro à era de hipervelocidade tecnológica. Se toda essa onda New Rave (de resto, um rótulo vazio marqueteiro, sintomático aliás) é a “cara” da geração mp3, possivelmente o Nirvana seria o CD. E o Shellac certamente o vinil, quem sabe até a fita k-7. Assim como um Fugazi ou Superchunk, para ficar em dois exemplos com certa ascendência no Brasil.

O (anti) climax da apresentação, foi o (não) hit The End Of A Radio, emblemática do show como um todo – assim como o “anti” e o “não” na frase anterior: não há concessões nem fugas possíveis e, para usar um termo bem brasileiro, não tem margem para “caô” na “estética Shellac”. Eles estão ali por inteiro, sem ficções efêmeras nem nada que seja a própria música e a vitalidade de Albini e cia. Na música citada acima, um hino fúnebre de três acordes secos e retumbantes, Albini assume o papel de último radialista em um planeta devastado. Ou seja, alguém em uma mídia ultrapassada (saudosismo?) falando para ninguém. E pela falta de refrão, cortes secos na guitarra única de Albini vem e vão, assim como a batida sempre exata e econômica do baterista Todd Trainer. É uma tragédia se desenvolvendo através dos quase 8 minutos de música (e pela uma hora e meia de show!), nos lembrando que provavelmente ainda vamos sentir muito a falta de bandas como o Shellac. Quando falo tragédia, é bom que se diga, uma tragédia pequena, como a que desenvolvemos ao quebrar um prato estimado ou ao riscar um disco querido. Banalidades. Ou melhor: vida de seres humanos comuns. Essa é a essência do grupo.

Sua música econômica (embaladas em timbres e tempos inesquecíveis), dão corpo e forma às letras nonsenses, dolorosas e milimetricamente arquitetadas de Albini e Bob Weston (baixista). Todas carregam uma agressão, todas carregam uma pequena tragédia. Seja falando do Canadá ou beiseball (assuntos recorrentes do grupo), de nozes, sapatos etc etc. A ironia recorrente guarda sempre uma surpresa, um ponto de vista. Por isso digo que a falta de ornamentos e firulas da música do grupo, faz coro ao “papo reto” do grupo. E para quem não gosta disso e quer a falta de objetividade e o excesso de subterfúgios tão caros à nossa época, esqueça. Lembrem-se de Mr. Catra e seu poderoso jargão “Ô simpático, pára de formar caô”.

Vale lembrar que há outro componente caro às apresentações do grupo: a urgência em manter o grupo próximo ao público. O tradicional e divertido jogo de perguntas e respostas entre grupo e banda (prática comum em suas apresentações) esteve presente aqui também. Claro, a limitação da língua se impõe. Como disse meu colega jornalista Mateus Potumati após ver uma apresentação do grupo em Chicago, a música por si só já é um acontecimento (ou como disse uma resenha do site Pitchfork, uma “experiência de vida”), mas o que Albini e colegas de grupo operam no intervalo de algumas músicas é único e pessoal, já que a verve dos três se apresenta melhor ou pior de acordo com as perguntas feitas pelo público. Em São Paulo teve seus momentos, como quando alguém da platéia perguntou se o baterista era o Tommy Lee ex-Pamela Anderson. Poderia falar sobre o visual e feição de Todd Trainer, tão comentado durante e após o show, mas isso não casaria com o que o Shellac representa; comentários de indumentária talvez reforcem e façam sentido nos shows de uma Madonna, de um Cansei de Ser Sexy ou dos Strokes. Não aqui.

O repertório foi calcado centralmente em seu último e aclamado álbum, Excellent Italian Greyhound (uma homenagem ao falecido cão do baterista, o que já diz muito sobre as ambições do grupo). Mas não faltaram músicas de álbuns como Terraform ou Live At Action Park. Não há muito o que se dizer sobre o jogo cênico do grupo. Talvez valha lembrar o trio de aviões formados pelos três ou o “gran finale” com o grupo batendo freneticamente nos pratos da bateria. Mas isso é apenas uma cereja “nerd” no bolo. Quem viu aquele desfile de riffs calculados e cortantes, a bateria-martelo e o vigoroso baixo em ação, não se esquecerá. Três realmente é um número mágico, como diria o De La Soul. Uma imagem para o show: imagine uma sala de cirurgias, impecavelmente limpa, o branco impecável e uma chapada luz branca ao centro. Você tem tendências sadomasoquistas. Uma mesa de cirurgias logo abaixo da luz. De repente, ao invés de médicos, três cientistas em macacões puídos entram na sala. Esqueça a anerstesia, não haverá. Tensão. Ao fundo, inicia-se em alto e bom som uma base grave e sinuosa, repetitiva. Ligam aparelhos de tamanhos e formatos discretos, mas que emitem zunidos semelhantes aos de serras-elétricas. Cortes profundos, ligeiros e precisos são realizados em seu corpo. Sangue. Você sente dor mas segura o grito no limite ente garganta e céu da boca. Por fim, alívio. Operação concluída. O câncer diagnosticado de antemão foi retirado. Você volta para casa. Finge que não se passou nada, mas as marcas estarão em ti pelo resto de seus dias. Parabéns: você acabou de ser uma das poucas almas a presenciar um show do Shellac no Brasil.

Shellac é papo reto. Se você não suporta, pede pra sair. Doloroso, metódico e banal – a simplicidade a serviço de uma música intensa e atual.

Aqui, Subtle tocando cover de Prayer to God do Shellac, apresentação do grupo em Santiago no Chile e, abaixo, no Rio de Janeiro.

E mais abaixo, começo da apresentação em São Paulo:

Burial - Untrue

2008-03-26T12:53:00Z

Cheia e seco. Multifacetado e compacto. Espiritual e cerebral. Esses constrastes fizeram de Untrue uma das mais agradáveis surpresas de 2007. Burial . Untrue . Hyperdub Records . 2007
Por Arthur Dantas

Se o primeiro álbum do Burial era como uma carta de intenções, ou melhor, típico projeto de produtor enclausurado em seu estúdio, pouco preocupado com as razões e motivações exteriores, absorto em seua ambição e cercado de seus fantasmas, no segundo, Untrue, a mediação é evidente – Burial não deu um passo adiante, preferindo desenvolver os aspectos mais palatáveis de sua estética, marcada por uma linguagem eletrônica seca e de balanço tímido (dubstep, afinal) e incrementando elementos da linguagem UK Garage e acabamento Trip hop. Como é de se esperar, não dá pra perder nenhuma partida jogando assim.

Burial busca constituir sua linguagem em um lugar diametralmente oposto aos produtores atuais: nada de recursos eletrônicos hiperbólicos ou sonoridade recheada de timbres e recursos advindos das últimas inovações do mercado; sua música é espacial, lebando o ouvinte a criar imagens e participar das canções – daí a imprensa ter dito que seu segundo álbum era muito “sentimental”. Olhando por um aspecto comportamental, é como que se sua música desse uma resposta a hipervelocidade informacional e excessos da geração das drogas sintéticas.

Uma canção como Archangel, dialoga diretamente com certa espiritualidade presente nos primórdios da cena UK Garage ao mesmo passo que, com seus vocais andróginos e interferência de elementos não muito presentes na música eletrônica atual, quebra com certos arquétipos e traz um pouco da atmosfera trip hop de um Massive Attack e , sobretudo, de um Portishead. É até interessante frisar que o aguardado álbum novo do Portishead quebre frontalmente com o que construíram até então, criando uma obra, que se não é fantástica, é definitiva por colocá-los em um lugar estranho, muito estranho – se dá pra falar isso, um lugar nada “trip hop”.

Um aspecto que muito se comenta ao falar de Burial, é seu anonimato. Ok, questões marketeiras. Mas na realidade, isso só mostra o apego do mesmo às promessas perdidas da musica eletrônica. Lembrem-se, quando “videntes” da imprensa musical em meados dos anos 1990 decretaram a morte do rock e a ascensão da música eletrônica, um dos aspectos marcantes da última era seu caráter anônimo. Afinal, dizia-se que o DJ poderia ser qualquer um e não carregava a aura de herói dos rockstars. Pura balela. Porém, Burial retomando esta tradição, parece querer nos jogar diretamente para dentro de seu universo musical. Por isso que gosto de pensar em Burial como um “falso pintor naif” da música eletrônica. Falso, porque detrás de suposta simplicidade e cores bem delineadas, há uma produção barroca, completamente aparada de arestas, restando o essencial. Só que graças a todos esses malabarismos de sua linguagem, retirando e remodelando elementos das mais diversas procedências, faz com que se torne uma mosca branca, a despeito de todos seus seguidores mundo afora. A faixa Ghost Hardware é emblemática de tudo isso: cheia e seca. Multifacetada e compacta. Espiritual e cerebral. Esses constrastes fizeram de Untrue uma das mais agradáveis surpresas de 2007. Doze faixas de dubsteps minimalistas insônes, para quem cansou do “som de pista”.

STEPHEN MALKMUS & JICKS "Real Emotional Thrash"

2008-03-21T09:03:00Z

Malkmus está solto. Se em seu último disco solo Face the Truth... Matador 2008

Por Tiago Moraes

Malkmus está solto. Se em seu último disco solo Face the Truth lançado em 2005 ele se limitou à belas canções folk em Real Emotional Trash lançado recentemente, o ex-frontman do Pavement se mostra muito mais aberto à novas experiências. O vocal é o mesmo de sempre (ainda bem!), uma das melhores e mais marcantes vozes do indie rock de todos os tempos, mas é na guitarra, mais solta e abusando do psicodelismo e progressivo setentista e na bateria, que agora conta com o peso da mão de Janet Weiss (ex-Sleater-Kinney). Em canções como Baltimore e Hopscotch Wille seus solos virtuosos vão mais longe do que jamais foram e isso é muito, mas muito bom! Real Emotional Trash é o melhor disco de sua carreira solo e possivelmente um dos melhores de sua carreira incluindo os 5 discos lançados ainda no Pavement. E acima de tudo, o que mais importa é que fica claro que Malkmus ainda se diverte, e muito, fazendo sua música.

(Confira abaixo trecho da apresentação "surpresa" recente do grupo em Portland/EUA)

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Sgt. Pepper´s ... - Um Ano na Vida dos Beatles, de Clinton Heylin

2008-03-18T16:46:00Z

Obra evidencia as diversas “trocas” culturais que fomentaram o histórico álbum. Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band - um ano na vida dos Beatles e amigos, de Clinton Heylin (Conrad Editora)

Por Arthur Dantas

1967 deve ter sido o ano mais quente da história da musica pop. Do Velvet Underground aos grandes nomes da Swingin´ London (Who, The Move, Cream, Hendrix e Pink Floyd), a cena de Cantebury (Soft Machine e Gong, por exemplo), a psicodelia da Costa Oeste americana... Todos tiveram discos lançados em 1967 ou em preparação no período. O que o jornalista Clinton Heylin mostra é que os Beatles, e sobretudo Paul McCartney, soube se valer desse imenso caldeirão musical, a fama já angariada por seu grupo, de suas ambições vanguardistas e contatos privilegiados para virar a mesa da indústria cultural e criar a obra que se tornou paradigma de inovações técnicas e experimentação. De tabela, Sgt. Pepper é o marco utilizado mundialmente para definir o impacto social, político e estético que os anos 1960 legaram à humanidade, sobretudo no Ocidente.

Como Heylin mostra por a+b tudo isso ao leitor? Uma rigorosa pesquisa histórica em documentos e discos da época, entrevistas pontuais para preencher algumas lacunas e o cruzamento de diversas obras sobre o Fab Four e os grupos da época, dão sustentação para sua argumentação. Isso torna o livro saboroso por si só, mas é a forma como encadeia os capítulos do livro que ditam o diferencial desta obra: cada capítulo trata de um grupo (Velvet Underground, Cream, Soft Machine, Pink Floyd ainda com Syd Barret, Beach Boys), o que estes grupos haviam criado até então e de que forma os Beatles realizaram diálogo com estes. No meio disso tudo, ainda comenta sobre o papel de produtores e inovações tecnológicas para o período. E não há especulação barata: toda tese encontra espelho em dados e fatos detalhados para justificá-los. E o bacana é que Heylin é generoso o suficiente para nos dar as pistas para entender seus argumentos. Inclusive, em tempos de mp3, é legal acompanhar os capítulos ao mesmo passo que baixa as músicas e álbuns citados. É verdadeiramente estimulante a forma como pontua que, sobretudo após Bob Dylan entrar em seu primeiro período de declínio neste período e a troca de acetatos (os CDRs do período) entre os principais grupos dos Estados Unidos e Inglaterra, fez com que os Beatles (segundo Heylin, via Macca) conseguissem o espaço e a inspiração necessária para remodelar o gênero que eles mesmos haviam formatados.

E esse é o grande mérito da obra: desmitificar muito do que entendemos sobre “gênios criadores” – os Beatles, para além de suas evidentes qualidades individuais, eram músicos que se nutriam de música eminentemente. Sabiam por exemplo, que Syd Barret, assim como Brian Wilson, eram músicos absurdos (como o “pai de todos”, Bob Dylan) e demarcavam exatamente até onde conseguiriam dialogar com a obra destes e aonde poderiam acrescentar algo que nunca era meramente ornamental. Outra qualidade do livro é dar a dimensão de algo nunca sentido no Brasil: o impacto da cultura de compactos do período para a música do período. Não havia até então a idéia de obras orgânicas na música pop; os artistas coletavam hits de compacto em compacto até terem material para um álbum. Dessa forma, desmente essa balela de que Sgt. Peppers seria o primeiro disco conceitual do pop. O que Paul fez foi criar um conceito exterior e pouco razoável para aquela coleção de singles de então.

Há espaço para ponderar ainda sobre o efeito devastador (para o Bem e para o Mal) das drogas lisérgicas do período, do papel da nascente crítica musical, das vanguardas artísticas, galerias de arte, casas de show de então, e sobre o protagonismo corajoso de alguns já consolidados artistas na direção de transformar e colocar a música como cerne da produção, não mais o “estilo”, a “moda”, os “factóides”. Nascia ali a noção de rock e pop – antes tudo era enquandrado dentro de um abrangente e obtuso selo “POP”.

Por fim, o papel de qualquer grande estudo, independente do objeto é esse: dar a dimensão da obra no momento e seus desdobramentos e reflexões para o futuro. Em 2007 tivemos uma grande quantidade de livros sobre música, mas este acabou sendo o grande lançamento nacional para mim.

DEAD MEADOW "Old Growth"

2008-03-16T01:16:00Z

Acompanho esse power trio de Washington desde o lançamento do seu primeiro disco em 2000... Matador Records 2008

Por Tiago Moraes

Acompanho esse power trio de Washington desde o lançamento do seu primeiro disco em 2000. Se nos primeiros 4 discos a receita era misturar tudo o que foi feito de melhor no rock psicodélico stoner/progressivo setentista (leia-se Black Sabbath, Led Zeppelin e Jimi Hendrix), em Old Growth resolveram que era hora de mudar e adicionaram na receita uma colher de blues e uma pitada de folk. Na realidade o que parece mesmo é que se antes se inspiravam diretamente nas lendas do rock do final dos anos 60 e início dos anos 70, agora resolveram beber na fonte e buscar inspiração na raíz, ali mesmo onde quem os inspirava se inspirou.

Talvés também a mudança recente do grupo para a ensolarada Califórnia tenha sido uma das responsáveis pela mudança já que é provado cientificamente que o clima afeta diretamente o humor das pessoas. Se antes o som era mais psicodélico e denso (não que tenha deixado isso completamente de lado), agora Dead Meadow está mais leve, mais acessível, mais fácil de digerir e é claro que se por um lado isso não agrada muito os fãs mais xiitas (leia-se conservadores), por outro demonstra maturidade e personalidade. Pessoalmente já gostava muito do Dead Meadow de antes mas também gostei de conhecer o Dead Meadow de hoje.

Em Old Growth, meus destaques ficam para a cativante Ain’t Got Nothing (to Go Wrong) que abre o disco, a triste balada folk I’m Gone e o clássico instantâneo What Needs Must Be, que é uma daquelas músicas que você ouve pela primeira vez e tem aquela sensação esquisita de dejà-vu, parece que já ouviu aquilo antes (Confira o clipe abaixo).

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Lost Girls (Devir Editora)

2008-03-12T18:59:00Z

Com a publicação do terceiro volume de Lost Girls, termina a maior contribuição das HQs para a literatura erótica de todos os tempos.

Com a publicação do terceiro volume de Lost Girls, termina a maior contribuição das HQs para a literatura erótica de todos os tempos.

Lost Girls (obra em três volumes, R$65 cada), de Alan Moore e Melinda Gebbie. Devir Editora
Por Arthur Dantas

Alan Moore, o escritor de Lost Girls, é considerado por qualquer lista que se preze como um dos 20 maiores criadores das histórias em quadrinhos de todos os tempos. Nem o castigo que a indústria de Hollywood vem sistematicamente aplicando às suas obras (as adaptações para o cinema nem carregam mais seu nome nos créditos por exigência dele) maculam sua obra e notória integridade artística. Moore saiu do restrito mercado inglês do início da década de 80 e salvou as HQs de super-herói do limbo da boçalidade com os maneirismos distópicos de V de Vingança e, principalmente, Watchmen. O bruxo de Northampton (sim, ele é também um bruxo renomado), incansável, já lançou álbuns musicais, spoken words, um livro de contos ousado e brilhante (A Voz do Fogo, lançado aqui pela Conrad Editora), e encontrou um novo e estimulante desafio nos três luxuosos álbuns que compõem Lost Girls (Devir Editora), oferecendo uma radical e essencial contribuição em outra área – a pornografia.

O enredo deste épico erótico é por si só engenhoso: num momento muito próximo da I Guerra Mundial, três mulheres já adultas se encontram em um hotel austríaco. Cada qual carrega sua carga de frustrações e neuroses. A sedução entre as três acontece de forma gradual e a barbárie, para além dos limites deste hotel utópico, se aproxima rapidamente. O toque de gênio, porém, é dado pelo fato de que as mulheres são, respectivamente, Wendy (de Peter Pan, de J.M. Barrie), Alice (de Alice no País das Maravilhas, de Lewis Carroll) e Dorothy (de O Mágico de Oz, de L. Frank Baum). E as metáforas dos livros infantis, através de um viés de leitura de sonhos freudiana, tornam-se metáforas sexuais. Alice é a jovem lésbica com uma atração incontrolável por adultos e, sobretudo, por uma certa matrona (e por uma rainha de copas); Dorothy alcança o idílio sexual (o tornado) com uma bela masturbação e é uma verdadeira Lolita campesina; e Wendy conhece uma gangue de meninos de rua pra lá de sexualizados, cujo líder é Peter (Pan), e ela e seus irmãos passam a viver uma suruba um tanto ingênua com a turma, até chegar um velho de mão deformada e pedófilo – obviamente, o Capitão Gancho.

A contribuição de Melinda Gebbie, a desenhista, não é circunstancial; o livro só alcança tal beleza graças a seu traço naif e versátil. O visual ingênuo marcado por tons fortes e expressões faciais insinuantes – dá a tônica em cada quadro e colabora de maneira capital, criando disposição dos quadros nas páginas muito engenhosas, e que contribuem para destacar cada fase da trama e são, em absoluto, recursos imprescindíveis para realçar o argumento de Moore. É sabido que o escritor costuma fazer cerca de 15 páginas de anotações para cada página a seus colaboradores, dando pouco espaço para os desenhistas. Isto não ocorreu em Lost Girls de forma tão enfática, inclusive pelas diferenças de background entre Moore e Melinda, e pelo caráter esparso da obra.

Alan Moore é acostumado ao caráter industrial de produção da indústria estadunidense de HQs. Melinda era uma nascente aposta do underground radical e politizado de San Francisco. O livro foi publicado em capítulos de 1991 a 2007 e a história de amor e erotismo da obra acabou vazando para a vida real - de flerte passou a namoro além-mar e, por fim, em casamento entre roteirista e desenhista.

Pelo que foi dito até aqui, o leitor pode deduzir que trata-se de uma típica obra pós-moderna, onde a mistura vertiginosa de linguagens operam o nada. Inclusive, Kathy Acker, a já falecida escritora underground e ícone pós-moderno, que se notabilizou por recontar clássicos de uma perspectiva radical, é adorada pelos dois autores de Lost Girls. Mas não se engane: Moore é um típico espírito vitoriano. Iconoclasta como Oscar Wilde e igualmente preciosista na linguagem e nos recursos textuais. Melinda, apesar do engenho na disposição gráfica de suas páginas, constroi ilustrações que bem poderiam estar em um livro infantil (mais um paradoxo na obra!) se não fosse pelo fato das orgias abundantes por toda obra. Tudo em prol de se fazer a história cada vez mais saborosa.

E essa putaria toda se justifica! Não é gratuita, o que costuma acontecer em demasia nas histórias em quadrinhos eróticas. Não faltam detalhes e posições sexuais ousadas na hora de expressar o prazer na relação sexual ou no rito de conquista, além de casos de abuso infantil, incesto e uso de drogas. É bom que se diga: Alan Moore não costuma agradar conservadores nem aliviar suas teses e raciocínios.

Em Lost Girls nada é sagrado e tudo é permitido. A obra é arrebatadora e a edição nacional é impecável. O preço salgado se justifica pela qualidade dos 3 álbuns. O desfecho é indubitavelmente maravilhoso, ainda que melancólico e atroz. E há uma suposta “moral da história” que se torna cada vez mais veemente em tempos de guerras freqüentes: como é dito no último volume: é a guerra, não o sexo, a mais pavorosa perversão.

Certo é que ninguém passa incólume por esta história, um conto de fadas para mentes livres e maduras.