+SOMA . SUA DOSE DIÁRIA DE CULTURA INDEPENDENTE - +HIGHLIGHTS

+Obras Primas: “Hell” versus “Back From Hell”, Por Pedro Pinhel

2010-09-02T15:17:00Z

(Obras Primas publicada na +Soma 18/Jul-Ago 2010. Baixe aqui ou descubra aqui onde conseguir uma.)

Obras Primas

Por Pedro Pinhel

“Hell” versus “Back From Hell”

Dois LPs para incendiar qualquer sistema de som, “Hell” e “Back From Hell” têm muito mais em comum do que apenas os nomes. Ambos representam os últimos lampejos de genialidade – e não de criatividade, compreenda – de James Brown e Run-DMC. Se em 1974 James Brown ainda punha fogo em espetaculares jam sessions com os J.B.’s e gravava uma média de dois discos por ano (!), encontrando tempo e disposição para se apresentar do Apollo Theater ao Zaire, o trio do Run-DMC mostrava que ainda tinha muita lenha pra queimar em 1990; ao contrário do famoso crossover rock versus rap que os projetou e perdeu espaço após o clássico “Raising Hell” (1986), os MCs Run e DMC e o DJ Jam Master Jay (RIP) pareciam ter recuperado o fôlego numa insinuante mistura de new jack swing e do hardcore/gangsta hip-hop produzido na virada da década. Hell yeah!

James Brown . “Hell” (Polydor, 1974)

Muito pode se debater quando o assunto é ao bra do mestre James Brown, e dizer que “Hell” é o último lampejo de genialidade do Godfather poderá causar a ira de centenas de equipes de som e puristas de todo o planeta Terra e região, mas o fato é que a produção de JB perdeu muita consistência após 74 – ano que marcou ainda o lançamento do ótimo “Reality”. Concebido como um álbum duplo, o disco é visto por muitos como o auge do período mais criativo da carreira do Ministro do Super Heavy Funk. Cada faixa aqui começa com o soar de um gongo, ao melhor estilo kung-fu, e o carro-chefe de “Hell” é a sampleadíssima “Papa Don’t Take No Mess”, uma pérola do jazz-funk que vale cada um de seus treze minutos de execução.

As belíssimas “These Foolish Things”, “A Man Has To Go Back To The Crossroards” e “Sometime” fazem parte do catálogo das melhores baladas de James Brown – um hábito muito comum à época, em que um dos lados do LP era inteiramente composto por canções ao melhor estilo mela-cueca. “Hell” é também um microcosmo de tudo o que se tentou produzir nos EUA, e em todo o mundo, em termos de música funk de altíssima qualidade, definindo o padrão de produção do gênero a partir de então. O legado da fase áurea da produção funk de James Brown é incomparável na história da música contemporânea. Após um período de produções menos impactantes durante a segunda metade da década de 70, muito em função da chegada da disco music e da substituição gradual de bandas como The J.B.’s por sintetizadores e drum machines, The Hardest Working Man In Showbiz iria ainda ressurgir do inferno na metade da década seguinte com o clássico “Living In America”, mas aí nós descambaríamos para Rocky IV e você perderia o fio da meada.

Run DMC . “Back From Hell” (Arista, 1990)

Dizer que “Back From Hell” é o ultimo grande disco do trio de rap mais folclórico da velha guarda também poderá ofender o pessoal que representa e afirma por aí que a rua é nóis, já que seu sucessor, “Down With The King”, de 93, também teve considerável sucesso comercial. Mas o fato é que a levada new jack/bounce de “Back From Hell” é conceitualmente mais interessante e envolvente do que a tentativa de réplica da atitude e a da música gangsta que marcaram “Down With The King”. O estilo que dominava o gênero no início da década de 90 tinha no quinteto NWA seu maior expoente e, embora o Run-DMC tivesse feito muito bem a lição de casa, o disco não passava de uma cópia sem criatividade, apesar de bem produzida, do som do momento – até porque o discurso do Run-DMC era bem menos agressivo e ofensivo.

“Back From Hell”, por sua vez, apesar de não ser o maior trabalho da carreira de Joseph “Run” Simmons, Darryl “DMC” McDaniels e Jam Master Jay, apenas comprova a longevidade da carreira dos rappers do Queens (NY), que souberam se adaptar aos vários períodos e estilos do hip-hop desde sua primeira fase, no início dos anos 80, marcada por singles, beats e timbres simples e secos, até a fase hardcore/gangsta rap do início dos anos 90. Musicalmente, o disco não traz nenhuma grande inovação, mas faixas como “The Ave”, “Bob Your Head” e “Pause” certamente figuram entre os melhores lançamentos do ano em questão. Problemas pessoais enfrentados por Run – acusado de estupro – e de DMC – internado em 91 por alcoolismo – podem parecer incompatíveis com um álbum, cujo título é justamente a saída do inferno, mas no fim ambos os rappers conseguiram sair de seus infernos pessoais e, apoiados por nomes como A Tribe Called Quest, EPMD, Public Enemy e Naughty By Nature, seguiram com suas carreiras e fizeram do Run-DMC um dos grupos de maior longevidade da história de um gênero que já assistiu a milhares de ascensões e quedas meteóricas, em seus aproximadamente trinta anos de existência. Hell, DMC!

Massive Attack Confirma Show no Brasil em Novembro

2010-09-01T21:24:00Z

Se antes os brasileiros invejavam os verões europeu e estadunidense pela excessiva lista de bandas que se apresentavam por lá em comparação aos escassos shows que aconteciam por aqui. Neste ano o pais virou a mesa e a cada semana os fãs de boa música recebem a notícia de mais um grupo pousando por aqui.

Quem confirmou hoje duas apresentações em novembro foi o duo britânico de trip-hop Massive Attack. A primeira será em Belo Horizonte, no dia 15 de novembro no Chevrolet Hall, e a segunda noite será em São Paulo, no dia 16 no HSBC Brasil. Provavelmente, o show será baseado no último e excelente disco “Heligoland”, lançado neste ano e pouco comentado na imprensa especializada em música.

Os ingressos para o show na capital mineira começam a ser vendidos na sexta, 3. Em São Paulo, os ingressos estarão disponíveis a partir do dia 13 de setembro. Preparem os bolsos.

+ENTREVISTA: Jéssica Mangaba, por Marina Mantovanini

2010-09-01T19:25:00Z

(Entrevista publicada na +Soma 18/Jul-Ago 2010. Baixe aqui ou descubra aqui onde conseguir uma.)

Jéssica Mangaba

“Sempre, diante de uma imagem, estamos diante do tempo”
Georges Didi-Huberman

A fotografia brasileira tem ganhado fôlego com o aparecimento de novos artistas como a jovem Jéssica Mangaba. A fotógrafa, de apenas 22 anos, já participou de algumas coletivas em São Paulo e esteve no importante Festival de Fotografia de Porto Alegre ao lado de nomes como João Castilho e Luís Santos. Além de construir seus belos ensaios imagéticos, ela pretende se dedicar à pesquisa fotográfica.
Com uma opinião forte sobre a estagnação do fotojornalismo e dos formatos repetitivos da fotografia nacional, Jéssica propõe novas maneiras de se construir uma imagem e de pensá-la. Seja por meio do formato analógico ou digital, ela concentra sua criação no processo e não apenas em apertar o disparador.

Como e quando rolou o seu interesse pela fotografia?

Bom, acho que a fotografia é um processo natural da vida de qualquer pessoa. Meus pais sempre fotografaram muito, e muitas coisas aconteceram na minha vida por causa da fotografia. A separação dos meus pais, por exemplo, eu descobri por meio da fotografia. O interesse de estudar foi natural. Eu ia prestar vestibular e fiquei interessada no curso. Eu fazia fotografia caseira como todo mundo e resolvi estudar o assunto, não aprender a fotografar, mas conhecer além do superficial.

O que a faculdade trouxe para você?

O processo da faculdade foi muito importante, principalmente pelo lado teórico. Conheci muita coisa, e eu não tinha tanto aprofundamento no tema. Foi uma porta pra mim.

E como você foi parar na Cia de Foto?

Uma amiga da faculdade, a Alexia, sempre me convidava para conhecer o trabalho deles. Um dia fui até lá, eles estavam precisando de uma assistente e rolou. A Cia foi uma formação muito importante também. Pra mim foi essencial ter passado por lá, porque é uma escola em relação ao estudo do processo.

A Cia de Foto é um coletivo, e não há uma assinatura individual. Qual a sua posição em relação a isso?

A proposta da Cia é muito interessante, e essa história de assinatura coletiva eu aprendi lá. Na faculdade, a gente tem outro processo de autoria, de pensar o que é autoria, algo mais individualista mesmo. E acho que é muito válido trabalhar como um grupo, além de ser um tema que precisa ser muito discutido, principalmente nos dias de hoje, em que tudo é voltado pro indivíduo. Acho que o meu caminho é como o da Cia. Por exemplo, no último ensaio que eu fiz tem fotos que não são minhas a ideia e toda a pesquisa são minhas, mas quem participou é tão dono quanto eu. É uma quebra da individualidade.

O seu trabalho de conclusão de curso da faculdade foi muito elogiado, chegou a ser exposto em algumas galerias. Fale um pouco sobre ele.

Meus pais são separados há muitos anos, e sempre teve uma relação da ausência da imagem do meu pai. Em 2008, ele me mostrou umas fotos que eu nunca tinha visto, da vida dele nos anos 70, algumas na Bahia, onde ele morou, e outras em São Paulo. Tinha diversas fotos em que ele aparecia com um violão, mas ele não toca violão, e aí eu comecei a estudar a representação da fotografia, do processo de a pessoa escolher como quer ser representada. E eu comecei a pensar em como construir a memória de uma coisa que eu não vivi a partir das fotos antigas do meu pai. Foi um processo muito intenso de reinventar o que poderia ter sido a vida dele. Fotografei o cotidiano dele e pedi pra ele também se fotografar.

E quais as técnicas que você usou para construir esse trabalho?

Eu quis experimentar várias coisas: filme, polaróide, digital, e ver o que tinha mais a ver com a proposta. As minhas referências eram as fotos antigas. Então, de alguma forma eu quis deixar presente, seja na tonalidade ou no enquadramento, essa estética caseira e crua.

Fotografia documental ou artística?

Hoje existe uma vasta discussão sobre o que é documental ou o que é arte na fotografia. Pode ser que o meu trabalho seja documental, eu não me apego muito nesses conceitos. Não procuro muito me colocar em uma divisão e nem acredito nessas divisões. Que seja documental ou não, mas que tenha outros experimentos com a linguagem fotográfica. Hoje em dia tem muita pesquisa boa, por exemplo o trabalho do João Castilho, que é arte, mas não deixa de ser documental.

Quem são os fotógrafos que te influenciam?

O Breno Rotatori é uma referência pra mim, não só por ele ser o meu namorado e eu acompanhar de perto o processo dele, mas sim porque sempre vejo ele pesquisando e estudando a fotografia. Gosto muito também do trabalho do João Castilho, do Rodrigo Braga e da italiana Moira Ricci.

Saiba Mais:

www.flickr.com/photos/jssmangaba

Espaço +Soma: Lançamento da +Soma 19 no Happy Hour na Sexta e Show de Kaoll & Lanny Gordin no Sábado

2010-08-31T18:01:00Z

O happy hour desta sexta, 3, comemora o lançamento da revista +Soma 19. Nesta edição, a arte urbana é reverenciada com um ensaio sobre o artista norte-americano Thomas Campbell. Outra matéria responsa é a entrevista com Garage Fuzz, banda que segue pela estrada do rock independente há 20 anos. O Zimbo Trio também ganha lugar de honra nas páginas da revista e fala sobre a inserção da música instrumental brasileira na década de 1960. E mais: Mark Lanegan, Javelin, Do Amor, Porcas Borboletas, Mini Box Lunar, Sellen e Barlow, e por aí vai.

No comando da noitada, o jornalista, pesquisador musical e fundador do site Só Pedrada Musical, Daniel Tamenpi, vai colocar nos toca-discos muito soul, afrobeat, hip-hop, reggae/dub e brasilidades.

Data: 03.09.10 – Sexta
Horário: 20h
Entrada . Gratuita

O show de Kaoll & Lanny Gordin, que acontece no Espaço +Soma neste sábado, 4, é para apreciadores de boa música instrumental com ecos de psicodelia. A banda tem claras referências do som progressivo dos anos 1970, do jazz contemporâneo e de música clássica. Neste ano, lançou “Auto-Hipnose”, o segundo álbum de estúdio em parceria com o guitarrista Lanny Gordin. No disco, a guitarra de Lanny permeia as músicas através de sutis melodias e improvisos prodigiosos, além das já reverenciadas progressões de acordes que o notabilizaram como um dos grandes mestres da harmonia. No show, a banda vai apresentar as composições do novo CD e do primeiro disco, “Kaoll 04”.

No vídeo abaixo um aperitivo do que vai rolar no sábado.

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Data: 04.09.10 – Sábado
Horário: 20h
Entrada . R$ 15 ou R$ 10 (lista)

Espaço +Soma (Espaço Cultural/Loja/Café)
Rua Fidalga 98 - Vila Madalena - São Paulo - SP
Informações - info@maissoma.com / 11 3031.7945
Terça a quinta-feira das 12h as 20h
Sextas e sábados das 12h a 0h
Aceitamos cartões da Redecard.

Dinosaur Jr: Ingressos à Venda em São Paulo

2010-08-30T14:30:00Z

Quando o Dinosaur Jr. anunciou sua volta em 2007, depois de alguns anos longe dos palcos, a longa lista de fãs brasileiros da banda torcia pela vinda dos caras ao Brasil. Foram mais de vinte anos de espera, mas acompanhando a enxurrada de shows que vão acontecer no pais até o final do ano, o trio ícone do rock alternativo pousa em terra tupiniquim para realizar quatro apresentações.

A banda toca no dia 25 de setembro no Festival recifense No Ar Coquetel Molotov, no dia 26 em Salvador na Concha Acústica e termina a viagem com dois shows em São Paulo, nos dias 28 e 29 de setembro no Comitê Club. Os ingressos para os shows em São Paulo já estão à venda.

Formado no começo dos anos 1980 e conhecido pelos por longos solos de guitarra, riffs melódicos, distorção e letras depressivas, o Dinosaur Jr sempre foi citado como grande influenciador de bandas de rock alternativo e dos anos como Sonic Youth, Mudhoney e Nirvana. É a oportunidade de ter uma aula de rock com J Mascis, Lou Barlow e Emmett Murph.

28 . 09 e 29 . 09 em São Paulo

Dinosaur Jr.
Entrada . R$ 60 (1° Lote) . 23h
Comitê Club . Rua Augusta 609 . Centro SP
Mais informações . ingressorapido.com.br

Javelin Faz Show no Estúdio Emme Amanhã

2010-08-27T18:07:00Z

O Javelin, um dos principais exportadores de beats do Brooklyn da atualidade, chega ao Brasil para uma apresentação responsa amanhã, 28, no Estúdio Emme para o projeto Under30 Series. Formado pelos primos Tom Van Buskirk e George Langfordos, o projeto da dupla é uma mistura de disco music, Motown, electro e hip-hop. Se você curte os caras, eles ainda vão fazer apresentar um DJ set no Neu Club hoje.

Confira abaixo a matéria de Sean Edgar sobre a dupla, que estará na +Soma 19.

28 . 08

Under30 Series com Javelin
Entrada . R$ 30 . 23h30
Estúdio EMME: Av. Pedroso de Moraes 1036 . Pinheiros

Javelin
Os Mestres da Reciclagem

Por Sean Edgar (*) . Retrato por Tim Soter

Quando Tom van Buskirk, o frontman barbudo do Javelin, admite que era “totalmente sem noção” na época do colégio, fica difícil avaliar se a afirmação é um elogio ou um insulto. Contextualizando: van Buskirk fez essa revelação enquanto contava como criou a melodia de uma de suas primeiras composições, o tema de abertura do programa do clube do audiovisual de sua escola. “Eu sampleei um som do Three Dog Night, mixei com o beat de um disco de break e gravei uns instrumentais por cima”, ele conta, aos risos. “Ficou bem brega.”

“Brega” e “sem noção” são duas definições que van Buskirk usa com frequência para descrever suas inclinações musicais. Tecnicamente, ele não deixa de ter razão. Junto com seu companheiro de banda George Langford, van Buskirk tem uma certa tendência a reciclar, destilar e aglutinar uma determinada gama de gêneros subestimados, e muitas vezes considerados brega, do espectro pós-moderno. Porém, apesar de sua humildade um tanto irônica, o Javelin é hoje um dos maiores exportadores de beats do Brooklyn, ostentando um bom número de mixagens premiadas em eleições feitas por blogs e uma reputação considerável por jams épicas em lofts da cidade.

Mas as origens do Javelin vão muito além das margens do East River. Van Buskirk e Langford têm muito mais em comum do que o amor pelos hits radiofônicos e pela produção nas picapes: eles são primos, e foram criados nos estados vizinhos de Rhode Island e Massachusetts. Passavam juntos com frequência os feriados prolongados e as férias de verão, trocando riffs de guitarra e mixtapes de quatro canais durante toda a juventude. Depois de se formarem na faculdade (ambos em Literatura Inglesa), eles viajaram para a América do Sul: van Buskirk para Buenos Aires, e Langford para Salvador e para o Rio de Janeiro. “No meu caso foi só uma temporada fora do país, com um objetivo mais ou menos definido”, explica van Buskirk. “Levei comigo toda a minha aparelhagem musical e ficava criando coisas no apartamento.”

Para os futuros integrantes do Javelin, as lojas de discos locais ofereciam prateleiras repletas de obras-primas esquecidas e novos tesouros que os nova-iorquinos antenados devoravam em segundos. “Tinha uma lojinha a que eu ia direto, onde comprei nada menos que 75 discos bem bizarros, desses que são lançados para o mercado internacional. Muitos deles eram de disco music, e muito, muito bregas.” Langford, por sua vez, que nutria um gosto por Herbie Hancock no colégio, estava descobrindo Caetano Veloso, Os Mutantes, Gilberto Gil e muitos outros artistas da Tropicália no Brasil.

Quando voltaram aos Estados Unidos, por volta de 2005, os dois começaram a transformar anos e anos de escavações fonográficas em discos que foram imediatamente bem aceitos pela comunidade blogueira. O lançamento independente “Jamz n Jemz”, um CD-R de 25 faixas de beats retrô do hip-hop e melodias criadas em sintetizadores dos anos 80, chamou a atenção do Luaka Bop, o selo internacional de David Byrne. A gravadora propôs um contrato para o Javelin sem pensar duas vezes. “Quando eles entraram em contato, já estávamos conversando com outro pessoal. A gente tinha acabado de mudar para Nova York, e pensou: ‘Não deve ser só uma coincidência’”, recorda van Buskirk. A Luaka Bop permitiu inclusive que a dupla co-optasse seu podcast, plataforma na qual surgiu “Andean Ocean Tape”, uma espécie de celebração escapista do verão. Logo depois, foi lançado “No Mas”, primeiro LP de estúdio do duo.

“No Mas” representa um passo à frente muito bem pensado na evolução impressionante do Javelin. Poderia ser facilmente confundido com uma mix tape de funk, pop, dub e acid jazz para ninguém botar defeito, mas cada som traz consigo o DNA peculiar do duo. A lista de músicas do disco é um excelente exemplo da inquietude da dupla, que muda de estilo com frequência e delicadeza. “Vibrationz” pulsa por trás do som de uma guitarra com wah wah digitalizada, que se funde a um vocal feminino sampleado entoando o mantra sensual de uma só palavra da faixa. Logo em seguida, “Mossy Woodland” navega pelas águas de uma música pop executada por um conjunto de cordas, permitindo a van Buskirk exibir seu alcance vocal em meio a uma tempestade de reverbs. E músicas como “Tell Me, What Will it Be?” mergulham tão profundamente no mar de arranjos jazzísticos medianos que o limo acumulado durante os longos anos de esquecimento se torna quase palpável. É o tipo de trilha sonora capaz de dar sobrevida a uma festa mesmo depois de sua morte natural.

Levar essa mistura sofisticada para os palcos não era uma tarefa fácil, e nesse caso van Buskirk e Langford fizeram o qualquer músico de respeito que trabalha com mixagens faria: juntaram um estoque de vinte boomboxes antigas para amplificar suas batidas através de um rádio FM. Assim como em suas escavações sonoras, eles foram longe para conseguir os melhores sons reciclados. “Eu passava o tempo todo indo a lojas de artigos de segunda mão. A maior parte da aparelhagem do Javelin foi encontrada nessas lojas, assim como os discos, os cassetes e as fitas VHS. Achamos algumas coisas na rua uma vez, mas a maioria foi comprada por 10 ou 20 dólares em um bazar qualquer do Exército da Salvação.”

Porém, apesar do contrato com uma gravadora de prestígio e da pirâmide de alto-falantes velhos, van Buskirk ainda não se acha muito diferente do moleque do colégio que incorporava beats a samples de sons do Three Dog Night. “Na música ‘Radio’, a letra que eu escrevi diz que ‘Eu sou o mesmo desde a quarta série.’ E é verdade – eu faço as mesmas coisas que fazia quando era moleque.”

(*) Tradução de Alexandre Boide

Nosaj Thing Toca em São Paulo em Setembro

2010-08-26T21:10:00Z

Já tem uns bons anos que o Sul da Califórina despontou como uma das mecas da música eletrônica mundial (música boa, não psytrance e farofadas do tipo). Foi de lá que saíram gente como Flying Lotus, Gonjasufi, Dam Funk, Daedelus e o coletivo Low End Theory. Um dos nomes mais novos e virtuosos dessa cena, sem dúvida, é o prodígio Jason Chung, conhecido pelo nome de guerra Nosaj Thing. Chung lançou um discaço em 2009, "DRIFT", que entrou na lista de melhores do ano de veículos como "XLR8R", "Urb", e "The New Yorker" (e que você pode baixar de graça e legalmente aqui). Beatmaker e modulador de mão cheia, ele demonstra um talento assombroso ao vivo, manipulando beats com rapidez e precisão matemática. E o melhor, com cultura musical, saindo do mundo normalmente endógeno e auto-referente da música eletrônica: entre suas referências, Chung cita sempre Chopin e Erik Satie, além de produtores como Boards of Canada e a cena de hip-hop da Costa Oeste estadunidense.

Depois de rodar o mundo em festivais como Pukkelpop e Sónar, Nosaj thing se apresenta agora no MIS, em duas datas, com apoio da Passport:

+ Sábado 4/09 na Sunset Party, no pátio do museu, das 16h às 21h. Entrada franca.

+ Domingo 5/09 no Auditório do MIS, às 19h. Neste show, o Nosaj apresenta ainda esse show audiovisual finérrimo aí de baixo. Inteira: R$ 10. Meia R$ 5. 

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Nosaj Thing Visual Show Compilation Test Shoot from Adam Guzman on Vimeo.

Veja abaixo DJ set do Nosaj Thing na rádio KEXP, de Seattle

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Saiba mais:

www.nosajthing.com

www.myspace.com/nosajthing

Baixe "DRIFT" na faixa e sem culpa aqui.

 por Mateus Potumati em 26/08/2010

+ENSAIO DE FOTOS: Alejandra Laviada

2010-08-26T20:42:00Z

Foto Esculturas de Alejandra Laviada

Ao fotografar encenações escultóricas, Alejandra Laviada subverte a matéria. O primeiro ato se encerra quando a cortina da sua câmera 6x7 se fecha. Objetos aparentemente descartados da sociedade, encontrados em edifícios abandonados na cidade do México, são reordenados por Alejandra como esculturas efêmeras que ressurgem pictoricamente em forma de fotografias.

O resultado dessas intervenções nos conduze por sensações estranhas. É inevitável o desejo de tocar o objeto fixo, imóvel e que agora só existe no plano bidimensional da fotografia. Somos convidados a decifrar essas imagens, obrigados a saltar da existência linear dos objetos para um nível de existência mais abstrato e adimensional.

Além disso, a poética deste trabalho, que se utiliza de resíduos da sociedade industrial, sugere uma reflexão sobre os ciclos de vida urbana com seus processos de decadência e reinvenção: “Meu processo fotográfico é uma espécie de arqueologia urbana, já que recrio novas narrativas com os objetos que vou desenterrando. Cada peça nos revela algo da história ou função do espaço e das pessoas que o habitaram”, afirma Laviada.

Com “Foto Esculturas”, Alejandra ganhou em 2009 o prêmio “Descubrimientos” do festival PhotoEspaña, que lhe proporcionou uma exposicão individual no festival deste ano. Neste ensaio, a fotógrafa questiona os processos de revitalização dos espaços urbanos, assim como a própria fotografia, que aparece como uma forma de reflexão diferenciada da premissa cartesiana, na qual pensar significa seguir a linha escrita.

Edu Monteiro
Fotonauta

Psilosamples Nesta Sexta no CCJ em SP

2010-08-24T20:47:00Z

Nesta sexta, 27, o Centro Cultural da Juventude vai receber o projeto de Zé Rolê aka Psilosamples. De banda punk rock a MC Freestyle, Zé está envolvido com a música desde os três anos de idade e ganhou vários festivais de canção no sul de Minas. Hoje, o mineiro de Poço Fundo faz música eletrônica e se apresenta com um computador na mão e alguns softwares. As composições eletrônicas são misturada com cantigas, cirandas, forró, hip-hop e outras referências que vão se colando e formam um downbeat com experimentalismo e som regional. No live-act, ele deve apresentar a coleção de remixes As Aventuras de Zé no Planeta Roça e algumas composições inéditas.

27 . 08 . 2010

Psilosamples
Entrada . Só chegar. 20h
Centro Cultural da Juventude . Av. Deputado Emílio Carlos 3.641. Vila Nova Cachoeirinha . ZN
Mais informações . escuta.estudiolivre.org

+ENTREVISTA: Chali 2Na, Por Daniel Tamenpi

2010-08-24T14:20:00Z

(Entrevista publicada na +Soma 18/Jul-Ago 2010. Baixe aqui ou descubra aqui onde conseguir uma.)

O barítono do hip-hop

Por Daniel Tamenpi . Colaboração de Suemyra Shah

Charles Stewart Jr., ou Chali 2Na, como ficou mundialmente conhecido, é uma das figuras mais ativas do hip-hop mundial. Sua carreira acompanha a evolução do rap desde os anos 90 até os dias de hoje. Nascido em Chicago, mas criado em Los Angeles, Tuna faz parte da geração que moldou o estilo que viria na contramão do gangsta rap e do rap comercial. Sua voz é marcante, daquelas que se reconhece nos primeiros versos, seja nas músicas do Jurassic 5, do Ozomatli ou nas dezenas de participações que fez durante toda a carreira. Uma de suas características é a facilidade de se encaixar em linhas sonoras variadas: rap, funk, reggae, música latina, rock, o que for. Apelidado “o barítono do hip-hop”, o rapper agora segue em carreira solo após a separação do J5, alçando voos altos e marcantes em seu álbum de estreia, “Fish Outta Water”, um dos destaques de 2009, na recém-lançada mixtape “Fish Market Part 2” e em vários outros projetos. Em conversa com a +Soma, Tuna fala de sua carreira, dos tempos de colégio, da paixão pelo graffiti e pela pintura e ainda adianta informações sobre novos shows no Brasil.

Você nasceu em Chicago, que tem uma grande história no hip-hop. Qual foi o motivo da sua mudança pra Los Angeles?

Eu me mudei para Los Angeles para evitar sérios problemas em que estava prestes a me meter e que não vem ao caso descrever aqui. Minha avó já estava cansada de Chicago, por causa das muitas tragédias que teve que enfrentar durante anos, então se ofereceu pra me levar, junto com meus irmãos, pra morar com ela na Califórnia. Nós aceitamos e fomos.

Fale um pouco sobre o seu tempo de colégio, quando tinha companheiros de classe como Cut Chemist, Everlast, DJ Muggs e Sun Doobie. O hip-hop já fazia parte da vida de vocês nessa época?

Sim, senhor! O hip-hop me conquistou bem no início dos anos 80. Em 86/87 eu já estava em Los Angeles, então [o rap] definitivamente já fazia parte da minha vida. Eu, Sun Doobie, Cut Chemist e Marc7 fazíamos parte do U.N.I.T.Y. Committee, e foi através deles que conheci o Muggs e depois o Everlast. O hip-hop em Los Angeles era bem louco, porque era muito influenciado e fortemente ligado à indústria do cinema, então você via todo tipo de estrelas em qualquer lugar. Isso me fez pensar: se eles podem, eu também posso!

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Sei que antes de rimar você já pintava, e faz disso uma atividade até os dias de hoje. Inclusive, na sua passagem pelo Brasil, fez pinturas com o Flip. Qual a importância do grafitti na sua vida?

Foi a chave dos portões do hip-hop pra mim. Abriu as portas de um novo mundo, que até hoje parece novo, graças a todas as coisas que eu aprendi sobre arte através dos anos. É um dos elementos mais antigos do hip-hop, e não pertence só a ele, faz parte também de outros subgêneros. A minha disciplina artística passa pra minha música, então [a arte] é muito importante pra mim.

Vi no seu Myspace que você tem feito telas a óleo, além do graffiti. Quais são suas influências nessa área?

Van Gogh e Rembrandt. Esses caras têm quadros que duram centenas de anos, e os detalhes continuam imaculados! Eu busco a mesma habilidade e longevidade no que eu pinto, então decidi experimentar a pintura a óleo.

O Good Life Cafe foi um lugar que teve um grande valor na sua carreira. Fale um pouco sobre a importância desse local pra cena daquele momento.

O Good Life Cafe foi importante pra cena porque você não conseguia um contrato se não fizesse parte do gangsta rap. Naquela época esse estilo era tão popular que todo selo queria um grupo como o N.W.A., então o Good Life era a vitrine necessária para aqueles de nós que não participavam da cena gangsta.

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Foi por lá que o Jurassic 5 surgiu? Como aconteceu essa união de tanta gente talentosa?

Sim, o Jurassic 5 se conheceu no Good Life. Começou com dois grupos distintos que se admiravam mutuamente e queriam trabalhar juntos. Alguns anos depois finalmente tivemos a chance, e esse som abriu caminho para o que viria a ser o Jurassic 5.

Antes do J5 você e o Cut Chemist fizeram parte do Ozomatli, uma banda que tem a música latina como sonoridade principal. Como rolou essa história?

Na verdade o J5 existia antes do Ozomatli. Foi a versão deles da nossa primeira música, que se chamava “Unified Revolution”, que me levou a tocar com a banda e mais tarde me tornar parte dela. Eu conheço o Wil-Dog desde que ele tinha uns 14 anos, e continuamos amigos até que as circunstâncias me levarem a ajudá-lo a propagar sua causa. Eu me sinto abençoado por ter sido parte daquilo, e ainda toco e gravo com eles de vez em quando.

O Jurassic 5 é um dos grupos mais queridos do hip-hop. Vocês viajaram o mundo todo fazendo shows e turnês. Quais foram os mais marcantes e importantes?

O Festival de Glastonbury, na Inglaterra, em 98, e o Festival Bonnaroo, em 2001, foram pra mim dois pontos cruciais no sucesso do nosso grupo. Tanta gente nos viu ao mesmo tempo em cada um desses festivais que o boca-a-boca se espalhou feito fogo em mato seco.

No ano passado o EP do J5 foi relançado em uma comemoração aos 10 anos do lançamento original. Bateu uma saudade do grupo? Existe a possibilidade de um retorno?

Na verdade não rolou nostalgia, porque essa é [até hoje] a parte principal da minha história como artista. Agradeço o que conquistei durante aquela época, assim como o que conquistei depois que me desliguei do grupo. Todos nós estamos fazendo o que consideramos necessário artisticamente neste momento em nossas carreiras solo. Apesar de não poder prever o futuro, não acho que exista a chance de nos reunirmos tão cedo.

No ano passado você lançou seu primeiro disco solo. “Fish Outta Water” me surpreendeu muito – como fã, esperava algo que lembrasse a sonoridade do J5, mas você seguiu um caminho diferente, mais autoral, mostrando diversas influências.

“Fish Outta Water” foi o processo de criação de uma identidade, então você está certo. Era minha intenção expor coisas diferentes, que me formaram como artista, e ir além. Agradeço a todos os produtores e artistas convidados que me ajudaram a pintar esse quadro.

Você fez parte do interessante projeto Dino 5, de hip-hop direcionado para as crianças. Como MC e pai, como foi essa experiência?

Foi maravilhoso, porque eu realmente pude usar minha habilidade pra me dirigir às crianças sem descambar pro brega. O Prince Paul foi o idealizador. Ele me chamou de uma hora pra outra e explicou a missão. Eu jamais diria não ao Prince Paul! (Risos) Além de mim, estavam envolvidos LadyBug Mecca, WordsWorth, Scratch e a Ursula Rucker. Nós finalizamos o projeto em uns cinco dias, apesar de termos um prazo de até onze. Tenho muito orgulho de ser parte disso!

Você pegou o hip-hop como cultura, e não como a indústria que é nos dias de hoje. No Brasil, o hip-hop ainda é visto dessa forma. Como você encara o hip-hop nos EUA atualmente?

O hip-hop nos EUA é definitivamente movido pela indústria e pelo que você pode ganhar nesse jogo. Ainda é um movimento centrado na juventude, porem é mais superficial e visto como uma maneira de ganhar dinheiro, e não como um meio de expressão. Isso é a realidade. Mas tenho muito orgulho de existirem artistas por aí que ainda o amam como forma de arte. Só tenho a agradecer ao pessoal do Brasil por manter isso vivo.

O Jurassic 5 fez duas apresentações em 2005 em São Paulo. Eu estava presente e me pareceu que vocês ficaram bem satisfeitos, dando atenção e sorrisos a todos após as apresentações. O que você achou do Brasil? Tem planos pra novos shows por aqui?

Eu simplesmente amo o seu país por inúmeras razões. Tem gente linda por dentro e por fora, uma música espetacular e uma cultura inquestionavelmente rica. Eu amei o Brasil, não só daquelas duas vezes, mas em todas as vezes que o visitei (ele também veio ao Brasil com o “Galactic”). Eu amo o povo brasileiro. Vocês são calorosos e hospitaleiros. Estou pra voltar nos três últimos dias de julho, pra promover o “Fish Outta Water” e o meu novo projeto, a mixtape “Fish Market Part 2”, então, por favor, apareçam pra me dar uma força!

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Saiba mais:
Chali2na.com
Jurassic5.com

+Espaço Soma: Happy Hour com Quest Crew e Show de Ellen Oléria

2010-08-23T19:53:00Z

Última sexta de agosto e o clima está esquentando. Já que o frio resolveu dar uma trégua, nada melhor do que curtir música boa com cerveja gelada A dica é o happy hour no Espaço +Soma, que recebe novamente o coletivo de camaradas do Quest Crew. O nome do coletivo é inspirado no vídeo de skate “The Questionable Vídeo”, ícone do movimento. Assim sendo, a discotecagem e a sonoridade do trio, composto por Alexandre Vianna, Marcelo Calazans e Persio Tagawa, não poderia fugir do tema: os rolês nas pistas de skate. Cola ae!

Data: 27.08.10 – Sexta
Horário: 20h
Entrada . Gratuita.

Faz dez anos que a cantora Ellen Oléria apresenta sua música pelos palcos do Brasil. Neste sábado, a brasiliense vem ao Espaço +Soma para lançar “Peça”, o primeiro disco solo da artista. Abastecida de muito balanço e com uma singular presença de palco, Ellen vem acompanhada de sua banda e vai tocar as músicas do novo álbum. As canções são repletas de groove e fazem uma mistura de funk, samba, MPB e afoxé.

Data: 28.08.10 – Sábado
Horário: 20h
Entrada . R$ 15 ou R$ 10 (lista)

Espaço +Soma (Espaço Cultural/Loja/Café)
Rua Fidalga 98 - Vila Madalena - São Paulo - SP
Informações - info@maissoma.com / 11 3031.7945
Terça a quinta-feira das 12h as 20h
Sextas e sábados das 12h a 0h
Aceitamos cartões da Redecard.

+ENSAIO . Clara Crocodilo, por Raquel Setz

2010-08-20T14:32:00Z

(Ensaio publicado na +Soma 18/Jul-Ago 2010. Baixe aqui ou descubra aqui onde conseguir uma.)

Por onde andou Clara Crocodilo

Como Arrigo Barnabé costurou música erudita contemporânea, canção brasileira, arquitetura, HQs, sensacionalismo, submundo e transgressão e, encarnando uma espécie de doutor Frankenstein da MPB, criou o monstro/obra-de-arte que completa 30 anos em 2010

Por Raquel Setz . Ilustrações por Luiz Gê . Fotos da banda por Antonio Carlos Toneli

São Paulo, 21 de maio de 1979. O teatro Pixinguinha, do SESC Anchieta, estava absolutamente lotado. O público esperava ansioso pela final do I Festival Universitário de Música Popular Brasileira, promovido pela TV Cultura. Assim como nos históricos festivais da TV Record do final dos anos 60, a plateia não era exatamente bem comportada: podia tanto aplaudir efusivamente um concorrente como fuzilá-lo com vaias. Quando um jovem compositor londrinense, que atendia pelo exótico nome Arrigo Barnabé, subiu ao palco com sua banda de treze integrantes para apresentar as finalistas “Infortúnio” e “Diversões Eletrônicas”, as reações foram divididas. Enquanto alguns empunhavam faixas com dizeres como “Vai firme, Arrigo”, outros vaiavam, gritavam “Fora!” e até atiravam objetos no palco – a cantora Neuza Pinheiro foi alvejada na testa por uma bola de papel.

Esse estranhamento já era um tanto esperado: para quem tinha esperança de que o festival revelasse a nova “A Banda”, aquelas músicas complexas, que mesclavam dissonâncias e ritmos pouco convencionais com performance teatral, além de letras que tratavam de personagens do submundo urbano, eram simplesmente intoleráveis. Quando, em novembro daquele mesmo ano, Arrigo concorreu com a música “Sabor de Veneno” no Festival 79 de Música Popular Brasileira, da TV Tupi, a reação da plateia foi ainda mais agressiva: em vez de inofensivas bolas de papel, foram arremessados cinzeiros de metal arrancados das cadeiras do teatro – por sorte, desta vez ninguém foi atingido.

Durante a apresentação, o baixista da banda (que na época era um ilustre desconhecido chamado Itamar Assumpção), provocava os espectadores perguntando “Sabor de quê?” “De merda!”, eles berravam em resposta.
“Diversões Eletrônicas” ficou com o primeiro lugar no Festival da TV Cultura, e “Sabor de Veneno” levou os prêmios de melhor intérprete (Neuza Pinheiro) e melhor arranjo. Mais importante que os prêmios, a participação nesses dois festivais mostrou que havia algo novo sendo proposto na MPB. Nos anos seguintes, uma cena musical começou a tomar força na cidade de São Paulo: foi a chamada Vanguarda Paulista. Muitos artistas de destaque dessa cena estavam na banda que acompanhou Arrigo nos festivais – além do genial Itamar Assumpção, havia também o multi-instrumentista Paulo Barnabé (irmão de Arrigo), o trombonista Bocato, as cantoras Suzana Salles, Vânia Bastos e Tetê Espíndola, e Claus Petersen, flautista e saxofonista do grupo Premeditando o Breque, que pegou o segundo lugar no Festival da Cultura com o divertidíssimo samba de breque “Brigando na Lua”.

Havia ali um evidente elogio à figura do marginal – o que, no contexto da ditadura militar e, especialmente, dos anos de chumbo do governo Médici, significava muito mais um ato de resistência do que uma apologia ao crime

Um mutante na linha evolutiva

Desde o início dos anos 70, Arrigo Barnabé vinha desenvolvendo um estilo muito particular de trabalhar a canção popular brasileira. Ao ler o livro “O Balanço da Bossa”, de Augusto de Campos, ele começou a pensar em qual seria o salto seguinte na linha evolutiva da MPB. A bossa nova havia trazido inovações rítmicas, melódicas e, principalmente, harmônicas; a tropicália tinha ousado bastante nos arranjos e nas letras. Um novo passo possível seria mexer na própria estrutura da música, mudando as fórmulas de compasso (dos tradicionais 2/4 ou 4/4 para os pouco utilizados 5/4 ou 7/4, por exemplo) e radicalizando harmonias e melodias com o abandono da tonalidade.

Em 1971, com essas ideias na cabeça, Arrigo e Mario Lúcio Côrtes resolveram escrever uma música em parceria. Amigos desde a adolescência em Londrina, os dois fizeram aulas de piano clássico juntos e passaram várias tardes tocando Bach e conversando sobre música. Em 1970, Arrigo veio para São Paulo fazer cursinho e, em seguida, estudar Arquitetura na FAU; Mario Lucio também saiu de Londrina para cursar Engenharia no ITA, em São José dos Campos. Os amigos passaram a se encontrar somente nas férias, período em que trocavam informações sobre a música erudita do século XX, tema que pesquisavam com afinco.
Dessa vez, aproveitaram a ocasião para compor em conjunto, e assim começou a lenta e trabalhosa criação da música “Clara Crocodilo”. Primeiro, eles decidiram que ela seria feita sobre um compasso 7/4 – o mesmo que o Pink Floyd utilizaria anos depois na música Money, de 1973. Em seguida, criaram algumas linhas melódicas e uma harmonia.

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Cada linha melódica funcionava como um módulo – conceito que Arrigo importou das aulas de desenho arquitetônico do cursinho: “Módulo é uma forma plana, que criávamos na cartolina. Montávamos mais de uma estrutura usando os mesmos módulos encaixados de formas diferentes. É quase como um brinquedo. Eu era péssimo nisso, mas achei a ideia muito legal”, conta Arrigo em entrevista à +Soma na sala de sua casa, em uma vila bucólica encravada no agitado coração do Itaim, bairro na Zona Sul de São Paulo. Juntando esse conceito com o procedimento do “caos controlado” utilizado na música aleatória, os “módulos musicais” seriam distribuídos aos instrumentistas, e cada um poderia escolher a ordem de execução.

“Tem uma quantidade de acaso pela escolha dos instrumentistas, mas também tem o controle, que são os módulos que você mesmo produziu”, ele detalha. “Clara Crocodilo” foi apresentada em público pela primeira vez em março de 1973, no show coletivo Na Boca do Bode, que reuniu diversos compositores jovens de Londrina. A essa altura, Arrigo havia colocado letra na música, que inicialmente era instrumental. O personagem Clara Crocodilo já aparecia como um fora-da-lei que não se curva ao poder e por isso tem que “fugir, escapulir”. Havia ali um evidente elogio à figura do marginal – o que, no contexto da ditadura militar e, especialmente, dos anos de chumbo do governo Médici, significava muito mais um ato de resistência do que uma apologia ao crime. “Ele também é sexualmente um marginal, tem uma ambiguidade sexual. Esse tipo de transgressão era elogiado como modelo de liberdade”, explica Arrigo. O nome do personagem, além de misturar masculino e feminino, trabalha com as oposições entre luz (Clara) e escuridão (Crocodilo, animal que vive nos pântanos) e entre a sonoridade das sílabas “cla” e “cro”.

A banda que apresentou “Clara Crocodilo” no Na Boca do Bode era formada por Arrigo no piano, Mario Lúcio no teclado, Paulo Barnabé na bateria, Antonio Carlos Tonelli no baixo e Paulo Côrtes, irmão de Mario, nos vocais. Durante um ensaio, o compositor Valter Guimarães, um dos organizadores do evento, gritou que estava tudo errado. Eles ficaram espantados, já que parecia que daquela vez o grupo finalmente havia conseguido acertar. Para tirar a prova, um dos integrantes foi para o fundo do teatro ouvir o que os outros tocavam.

Na verdade, a música estava sendo executada perfeitamente, só que era tão estranha e propositalmente desencontrada que, para ouvidos pouco acostumados, parecia simplesmente um grande equívoco.
Em 1977, em um outro show coletivo chamado Invasão, “Clara Crocodilo” foi apresentada pela primeira vez com uma narração no início. Imitando um repórter policial de programa de rádio sensacionalista, Arrigo alertava os ouvintes sobre “o perigoso marginal, o delinquente, o facínora, o inimigo público número 1”. Alguns anos depois, ele compôs “Office Boy”, na qual o personagem Clara Crocodilo é apresentado como um terrível monstro mutante criado em laboratório.

Essa história ao mesmo tempo bizarra, sinistra e engraçada foi inspirada em quadrinhos de ficção científica. Arrigo começou a se interessar por HQs por influência do quadrinista Luiz Gê, colega de turma no cursinho e na FAU. “Na época, havia o underground americano e os quadrinhos europeus que fizeram a introdução do erótico. Os quadrinhos antes dessa fase eram infanto-juvenis; nessa época, estava indo pro mundo adulto”, explica Luiz Gê. Além desse material de vanguarda, ele apresentou a Arrigo os gibis da Marvel, que se tornaram uma fonte de inspiração, principalmente “Homem-Aranha”. “O Lagarto, que é o inimigo do Homem-Aranha, é meio Clara Crocodilo. O próprio herói é meio Clara Crocodilo, porque é picado por uma aranha radioativa e assim se transforma no Homem-Aranha”, revela Arrigo.

Enquanto Schoenberg utilizava o atonalismo como continuidade histórica e libertação do sistema tonal, Arrigo Barnabé o faz como forma de confronto com a tradição. No entanto, sua música soa bem menos estranha do que a do mestre alemão. Isso acontece porque Arrigo inseriu o dodecafonismo dentro da estrutura da canção: as faixas de Clara Crocodilo possuem estrofes, ponte e refrão. Elas também trabalham com repetição de frases musicais – assim, mesmo melodias “tortas”, tornam-se familiares aos ouvidos. O resultado dessa união de opostos é uma música atonal que pode ser assobiada

Canção dodecafônica

Na construção de sua linguagem musical, Arrigo Barnabé sofreu influência direta da música erudita do século XX e, principalmente, do compositor alemão Arnold Schoenberg, criador do dodecafonismo. Para entender esse conceito é preciso uma rápida explicação sobre a música ocidental. Como esclarece Julio Medaglia no livro “Música Impopular”, da Grécia Antiga até o fim da Idade Média, o ouvido dos ocidentais se habituou a ouvir melodias; do fim da Idade Média em diante, também se acostumou a acordes e harmonias. É do relacionamento entre melodias e harmonias que surgiu o sistema tonal, no qual uma certa nota (tom) é “um pólo imantado de onde partia e aonde chegava a composição”. Quando se diz que uma música está em Dó maior, por exemplo, quer dizer que a nota principal, o centro da música é Dó. A tonalidade atingiu o aprimoramento absoluto com Bach e o máximo de dilatação com Wagner, entrando no século XX em profunda crise. Como não havia mais possibilidades a serem exploradas dentro desse sistema, Schoenberg tomou para si a ingrata tarefa de implodi-lo.

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Na década de 1910, ele já criava peças atonais, como a famosa “Pierrot Lunaire”. Mas foi somente na primeira metade dos anos 1920 que desenvolveu um método organizado de composição atonal, chamado de dodecafonismo ou serialismo. Nesse método, as doze notas da escala cromática (no piano, as 12 teclas brancas e pretas no espaço de uma oitava) têm a mesma importância, fazendo com que a música deixe de ter um centro tonal. Desaparecem os conceitos de tensão e repouso, consonância e dissonância, e o movimento harmônico e melódico é completamente imprevisível. Para o ouvinte ocidental, adestrado por séculos de música tonal, é como se a lei da gravidade fosse revogada.

Nos anos 70, Arrigo aprendeu essas técnicas de composição em um livro de bolso em espanhol chamado “Que Es el Dodecafonismo”, presente da então namorada Cristina Santeiro. “Infortúnio” e “Diversões Eletrônicas”, que causaram polêmica no Festival da TV Cultura, foram compostas utilizando essas técnicas, mas nenhuma delas segue inteiramente o método elaborado por Schoenberg. Em “Infortúnio”, a primeira parte é serial, mas a segunda é tonal. Em “Diversões Eletrônicas”, o baixo e o piano tocam uma série de doze notas, enquanto o vocal segue uma melodia ora livre, ora serial. Dentre as composições que foram para o disco de estreia de Arrigo, a que se vale do método dodecafônico de maneira mais rigorosa é “Orgasmo Total”, mas mesmo esta acaba apelando para a tonalidade no final.

O pesquisador André Cavazotti, autor de um estudo sobre o uso do serialismo e do atonalismo livre no disco “Clara Crocodilo”, defende a ideia de que, enquanto Schoenberg utilizava o atonalismo como continuidade histórica e libertação do sistema tonal, Arrigo Barnabé o faz como forma de confronto com a tradição. No entanto, sua música soa bem menos estranha do que a do mestre alemão. Isso acontece porque Arrigo inseriu o dodecafonismo dentro da estrutura da canção: as faixas de “Clara Crocodilo” possuem estrofes, ponte e refrão. Elas também trabalham com repetição de frases musicais – assim, mesmo melodias “tortas”, tornam-se familiares aos ouvidos. O resultado dessa união de opostos é uma música atonal que pode ser assobiada.

“O Lagarto, que é o inimigo do Homem-Aranha, é meio Clara Crocodilo. O próprio herói é meio Clara Crocodilo, porque é picado por uma aranha radioativa e assim se transforma no Homem-Aranha”

Olho de réptil

Após a participação nos festivais em 1979, Arrigo ficou conhecido e foi elogiado por artistas como Caetano Veloso, Elis Regina e Paulinho da Viola. Um amigo de infância chamado Robinson Borba veio para São Paulo e passou a empresariá-lo. Arrigo e seu grupo, batizado como Sabor de Veneno, ensaiavam nos fundos da casa onde Robinson morava com a esposa e os filhos pequenos.

Já em meados dos anos 1970, Robinson, que também era compositor, percebeu que o tipo de música que ele, Arrigo e outros jovens de Londrina faziam não teria espaço nas gravadoras. Arquitetou então um plano: após se formar em engenharia, no fim de 1974, passaria cinco anos trabalhando como engenheiro em Londrina e, com o dinheiro do trabalho, viria para São Paulo investir em música. Sua ideia original era fazer um disco coletivo com os compositores jovens de Londrina – Arrigo, Paulo Barnabé, Itamar Assumpção, Antonio Carlos Tonelli e ele próprio.

Arrigo Barnabé discordava do amigo. Para ele, o público iria exigir que as gravadoras dessem espaço a essa música nova. E, de fato, ele foi procurado pelo produtor Marcos Maynard, da Polygram. Porém, apesar do interesse em lançar Arrigo, o produtor se dispôs a pagar somente cinco músicos. Depois desse aceno inicial, as gravadoras deixaram de procurá-lo. Os shows, no entanto, estavam cada vez mais lotados. Após uma entrevista ao repórter Dirceu Soares, da Folha de S. Paulo, Arrigo começou a aparecer na mídia impressa. Foi quando resolveu deixar de perder tempo e fazer um disco sem gravadora, inspirado no sucesso estrondoso do disco independente lançado em 79 pelo quarteto vocal Boca Livre, que em apenas um ano vendeu mais de 100 mil cópias.
O LP de estreia de Arrigo, “Clara Crocodilo”, foi inteiramente financiado por Robinson Borba. Na casa onde vivia com a família, ele improvisou o escritório da firma de um homem só que criou para administrar as muitas cifras e os números envolvidos na produção e comercialização de um disco. A microempresa chegou a contar com três funcionários, além do próprio Robinson e de sua esposa, Cristina Borba. “A autonomia da arte é fundamental para que surjam novas ideias, e acho que o “Clara Crocodilo” é um exemplo disso: mostrou autonomia do mercado e do Estado, uma independência na proposta estética e na proposta de produção”, afirma Robinson.

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Mas trabalhar à margem do grande capital exigia uma boa dose de criatividade. As táticas de divulgação do disco incluíam colar adesivos em banheiros de bar, distribuir filipetas e pichar muros: “Mas eram sempre pichações bonitas, da capa do disco, do Arrigo de perfil”, garante Robinson. A parte gráfica do álbum foi um trabalho incrível, feito por Luiz Gê. Na capa, um imenso olho de réptil é emoldurado pelas palavras Clara Crocodilo, escritas com letras que parecem feitas de sangue. Esse mesmo olho foi impresso no rótulo do disco, criando uma relação entre a capa e o objeto. Tudo isso também foi feito com recursos limitados, realidade à qual o quadrinista já estava acostumado. “Era uma coisa instigante: estar tolhido graficamente, mas pegar os elementos que eu tinha e criar coisas diferentes com eles”, conta Gê. “E isso tinha a ver com essa proposta alternativa que o disco representava.”

“O Lagarto, que é o inimigo do Homem-Aranha, é meio Clara Crocodilo. O próprio herói é meio Clara Crocodilo, porque é picado por uma aranha radioativa e assim se transforma no Homem-Aranha”

Eterno retorno

“Clara Crocodilo” foi lançado no dia 15 de novembro de 1980, em um show com lotação completa no Auditório da FAU. Era a síntese da linguagem que Arrigo vinha desenvolvendo há quase dez anos, desde o dia em que sentou ao piano com Mario Lúcio Côrtes para compor uma música diferente. Um trabalho transgressor tanto na parte musical (por incorporar música erudita contemporânea à canção) como na temática: monstros mutantes, prostitutas, bêbados, viúvas desesperadas e uma espécie de Garota de Ipanema que, em vez do “doce balanço a caminho do mar”, oferece o “gosto amargo do futuro” (“Sabor de Veneno”).

Com esse álbum, Arrigo abriu um novo caminho na MPB. O problema é que, depois dele, ninguém mais ousou criar em um nível de radicalismo tão grande. “É um negócio inacreditável, porque é música erudita que virou sucesso por ser tocada com guitarra, baixo, bateria”, Arrigo comenta, admirado. Ele mesmo, apesar de ter lançado outros trabalhos depois de “Clara”, está sempre voltando ao material do álbum. Com arranjos diferentes, o repertório já foi regravado três vezes: nos discos ao vivo “A Saga de Clara Crocodilo e Ao Vivo em Porto” (com o pianista Paulo Braga) e no DVD com a Orquestra a Base de Sopros de Curitiba, que deve ser lançado em 2011. Além disso, desde 2004, Arrigo faz shows esporádicos com repertório exclusivo do disco.

O tão almejado salto na linha evolutiva da MPB foi atingido, mas parece que o mutante “Clara Crocodilo” se mantém, ainda hoje, como o único representante de sua espécie.

Um trabalho transgressor tanto na parte musical como na temática: monstros mutantes, prostitutas, bêbados, viúvas desesperadas e uma espécie de Garota de Ipanema que, em vez do “doce balanço a caminho do mar”, oferece o “gosto amargo do futuro”



Saiba mais:
www.arrigobarnabe.com.br
myspace.com/arrigobarnabe

Coquetel Molotov Traz Dinosaur Jr. Ao Brasil

2010-08-19T17:51:00Z

Depois de muito disse-que-me-disse nas redes sociais, a organização do festival pernambucano Coquetel Molotov
confirmou no começo da tarde de hoje: o Dinosaur Jr. vem mesmo ao Brasil este ano. O trio, um dos grupos seminais do indie rock estadunidense, fará quatro shows, todos em setembro: 25 em Recife e 26 em Salvador (ambos dentro da programação do Coquetel), 28 e 29 em São Paulo, no Comitê. Será a primeira vez que o grupo liderado pelo indefectível J. Mascis (o sobrenome se pronuncia "Mésquis") se apresentará no país.

Além do Dinosaur, o lineup do Coquetel tem atrações como Emicida, Otto, Soko (França) e as suecas Taxi Taxi!, Anna Von Hausswoff e Taken By Trees. Depois de apresentações em REcife e Salvador, os nórdicos seguem viagem para a tradicional turnê "Invasão Sueca", realizada há alguns anos pelo Coquetel Molotov. A tour passará por Fortaleza (26) e São Paulo, no SESC Pompeia (24 e 30).

O site do festival listará novas informações (como o preço dos ingressos) em breve. Fique ligado: www.coquetelmolotov.com.br

+Espaço Soma: Happy Hour Staff Convida Fernando Martins na Sexta e Show com Criolo Doido Neste Sábado

2010-08-17T15:20:00Z

Noite de rock no happy hour do Espaço +Soma desta sexta, 20. O fotógrafo da revista +Soma, Fernando Ferreira Martins, é o convidado para discotecar as pérolas musicais que guarda em seu Ipod. Fernando cresceu imerso no rock e vai passear por várias vertentes do estilo. Espere ouvir bandas como Spaceman 3, Olivia Tremor Control, Beat Happening e Autechre. Junto ao happy hour vai rolar o lançamento do livro "12 Caras em 4 Partes" da editora Caderno Listrado. A compilação tem a participação de nomes como Lourenço Mutarelli, Fernando Chamarelli e Jorge Galvão. São apenas 200 exemplares numerados, encadernados artesanalmente e impressos em serigrafia, composto por uma imagem inédita de cada convidado, além de dois textos que discutem o suporte “publicação” e a relação que os artistas têm com ele.

Data: 20.08.10 – Sexta
Horário: 20h
Entrada . Só chegar!

Conhecido por ser o fundador da Rinha dos MCs em São Paulo, o habilidoso MC Criolo Doido trilha seu caminho pelo hip-hop há mais de 20 anos. Criador de um rap bate-cabeça carregado de influências musicais diversas como samba, MPB, reggae e até música francesa, ele escreve letras com muito senso de humor. O músico já trabalhou com grandes nomes do rap nacional, como SNJ, Rappin Hood e DJ Dan Dan, e gente da MPB como Ney Matogrosso. Para comemorar seus vinte anos de carreira, ele lançou neste ano DVD “Criolo Doido Live in SP”, que foi gravado na Rinha dos MC's. Uma bela mostra de como será enérgica a noite deste sábado,

Data: 21.08.10 – Sábado
Horário: 20h
Entrada . R$ 15 ou R$ 10 (lista)

Espaço +Soma (Espaço Cultural/Loja/Café)
Rua Fidalga 98 - Vila Madalena - São Paulo - SP
Informações - info@maissoma.com / 11 3031.7945
Terça a quinta-feira das 12h as 20h
Sextas e sábados das 12h a 0h
Aceitamos cartões da Redecard.

+ENTREVISTA . Carla Barth, por Marina Mantovanini

2010-08-16T18:05:00Z

(Entrevista publicada na +Soma 18/Jul-Ago 2010. Baixe aqui ou descubra aqui onde conseguir uma.)

Entre o Sonho e a Realidade

Por Marina Mantovanini . Foto Fernando Ferreira Martins

Arte naïf e pop são as palavras-chave para entender o trabalho da porto-alegrense Carla Barth. Apesar de seus quadros não se encaixarem categoricamente em nenhum dos dois estilos, a artista procura portas para criar uma conversa entre eles. Carla é contemporânea justamente por conseguir, de maneira erudita, trazer referências do imaginário folclórico e popular da arte naïf e misturá-las às influências de artistas oriundos do universo dos quadrinhos, como o gaúcho Jaca. Carla é uma compositora, cada pincelada sua cria cenários oníricos e ricos em cores, e a coerência em sua produção plástica faz com que ela já tenha um corpo de trabalho solidificado.

Como você se aproximou das artes plásticas?

Meu pai se formou em arte, e o forte dele era a serigrafia. A minha mãe se formou em desenho no Instituto de Artes de Porto Alegre, mas também fazia escultura, e foi quem me iniciou. Antes de a minha mãe fazer artes, fez um curso de magistério – ela tinha um jeito de professora, me incentivava, me apresentava as técnicas. Sempre fui estimulada, participava dos concurso de arte quando era criança, mas naquela época ainda não tinha base e conteúdo.

Você sempre diz que cresceu no ateliê dos seus pais. Fale um pouco sobre essa experiência.

Eles alugavam um ateliê com mais dois artistas. Era uma casa muito grande, e eu passei a minha infância lá. Cada um tinha a sua sala e fazia um tipo de trabalho. Minha mãe sempre me apresentava novas técnicas: pintura, escultura, desenho, e eu ficava observando o trabalho de cada artista. Tinha o Cabral, que pintava a óleo, era um artista bem conceituado em Porto Alegre. Mas, mesmo vivendo assim, meus pais não queriam que eu fizesse arte como profissão.

Por quê?

Eles achavam que eu tinha que estudar direito ou arquitetura e fazer cursos com artistas bons. Mas como curso superior optei por turismo. Eu sabia que não me encaixava, aí estudei dois anos, tranquei e resolvi fazer alguns cursos de arte no Atelier Livre da Prefeitura, que eram muito bons. Estudei escultura, desenho de observação e fiz história em quadrinhos no Museu de Comunicação de Porto Alegre. Aprendi luz e sombra, perspectiva, todas essas coisas me deram uma base. Aí resolvi voltar para o turismo, desencantada com a profissão, mas foi lá que eu despertei para as artes.

Foi lá que você conheceu o Guilherme Pilla, do Upgrade do Macaco?

Sim. Eu fiquei sabendo que na faculdade tinha um cara que desenhava e tinha um desenho muito forte, com uma pegada muito original, autêntico numa época que ali ninguém fazia nada. Decidi que precisava conhecê-lo, ficamos amigos e eu conheci toda a galera do Upgrade. Eles se reuniam, faziam umas colagens, uns zines, criavam uma cena em Porto Alegre, e eu queria fazer parte. Eles me apresentaram outras referências, comecei a ler sobre terrorismo poético, toda uma arte de intervenção. Foi aí que eu despertei para o mundo, e que meu trabalho começou a ganhar corpo. O Guilherme me ensinou a colocar ideias no papel, ele tinha muita disciplina, e eu passei fazer arte o dia inteiro. Quando ficava cansada ele falava: “vai desenhar, tem que desenhar”. No começo eu não desenhava nada, mas com o tempo fui ganhando profundidade.

Além do desenho, você também fazia esculturas.

Comecei a fazer esculturas porque queria fazer coisas diferentes e porque não dominava a técnica da pintura. Comecei quase na mesma época em que a surgiu toy art, mas o que eu fazia não era toy art, e sim esculturas. Eu tinha muita referência japonesa, pesquisava na internet o que os japoneses estavam fazendo, gostava muito de quadrinhos e animação, esses personagens mitológicos, e comecei a fazer as esculturas meio artesanais. Aí fiz uma exposição em 2005, na extinta Galeria Adesivo, criei uns totens de papel machê e, depois dessa mostra, no ano seguinte, fiz uma exposição na Galeria Melissa. Foi a partir daí que o meu trabalho começou a ganhar visibilidade.

Quando a pintura começou a rolar?

A Galeria Choque Cultural me abriu as portas desde que eu vim morar aqui, há dois anos. A primeira individual que apresentei na Choque eram telas feitas com canetão. Só que com o tempo temos que melhorar a qualidade tanto técnica quanto de material, e eu sei que o canetão desbota. Nesse período de profissionalização, eu comecei a investir na tinta e nas telas, mas sem abandonar o desenho. De vez em quando eu ainda crio com nanquim.

E a história do automatismo psíquico no seu processo de criação?

Foi o Guilherme que me ensinou a criar no automatismo psíquico. A criatividade nasceu quando eu comecei a desenhar e trabalhar com o meu inconsciente e soltar a minha imaginação. Era meio um estado de sonho, soltava as ideias livremente. Mas agora não tenho usado muito essa prática, porque antes eu era uma desenhista, fazia canetão na tela, podia fazer no automatismo. Hoje para pintar eu tenho que pensar no que vou fazer, porque preciso contar uma história, é muito mais difícil fazer algo mais insano. A tela é um processo demorado pra mim. Penso mais na composição, crio uma história. Hoje meu processo de criação é mais estruturado. Ainda consigo dar uma desorganizada, mas estou feliz com o meu trabalho.

O tom surrealista do seu trabalho está ligado a esse inconsciente?

Sim, com certeza. São duas coisas trabalhando: a síntese do acúmulo de conhecimento, que vai criando seu banco de dados mental – e eu consulto esse banco –, e também os meus sonhos, porque parte de mim está sempre sonhando, no mundo da imaginação. Eu não me desligo desse imaginário.

Você vê algo da arte dos seus pais nos seus quadros?

Vejo. O desenho da minha mãe, por exemplo, era muito figurativo, e eu tenho essa fixação no figurativo. Já o do meu pai era totalmente arquitetônico: usava fotos, as serigrafias eram ruas, edifícios, casas vazias, solitárias, com muitas texturas. Minha mãe também gostava muito de textura, e eram imagens um pouco surreais e bem caóticas. Eu comecei fazendo desenhos assim. Acho que tem mais coisas da minha mãe mesmo.

Como você cria esses personagens antropomórficos?

Eles vêm da síntese do conhecimento e do meu imaginário. Tudo é influência, tudo é leitura. Quando começo a ler, começo a me conhecer e me aprofundar. Li muito Gustav Jung, Joseph Campbell, pessoas que conhecem o pensamento humano, o inconsciente coletivo, e fui me aprofundando no meu inconsciente e conhecendo esses personagens. Hoje em dia, por exemplo, o cineasta Alejandro Jodorowsky é um dos caras de direção de arte que eu mais admiro, ele faz um surrealismo místico muito interessante. É mais ou menos essa linha que sigo no meu trabalho.

Você tem usado menos cores em suas telas. Por que essa transformação?

Ainda em Porto Alegre, conheci uma outra galera mais nova. Comecei a frequentar a casa do Luciano Scherer, meu namorado há dois anos, com quem eu moro em São Paulo, para desenhar junto com um pessoal – Talita Hoffman, Herman, Luisa Ritter. A gente se reunia umas duas vezes por semana, e o Luciano era disciplinado e usava poucas cores nos quadros dele. Ele pira muito mais em uma arte clássica, gótica. Foi uma outra inspiração pra mim, comecei pintar de outra maneira. Mudou tanto a composição como o uso das cores. Antes eu não tinha limites para a cor, hoje uso menos. Acho que fica mais harmônico.

Seus quadros têm traços fortes do folclore brasileiro, as texturas e cores bem características da estética naïf, no estilo do Henri Rosseau.

Eu tenho um guia sobre arte brasileira, e desde pequena meus pais me levavam em feiras de artesanato, compravam peças, valorizando a cultura nacional. Tenho muita referência, mas não acho que vou fazer uma coisa parecida, é outra pegada, não só no acabamento. Eu sou super brasileira, mas não sou arte naïf porque não consigo ser tão crua, não consigo fazer um pé de tamanho desproporcional sem ser de propósito, sem ter pensado nisso. Eu penso nas proporções. Mas, ao mesmo tempo, não faço arte conceitual, sou muito mais neo naïf. Acho que a arte, acima de tudo, tem que causar uma sensação.

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